A continuación, os dejamos algunos de los formatos radiofónicos que nosotros usamos con más frecuencia, presentados con elementos y recomendaciones que consideramos interesantes.

En Pódcast y radio escolar, cada una de las secciones comienza con las preguntas que deberíamos de hacernos y que nos ayudan a situarnos, teniendo más consciencia de cuáles son nuestras motivaciones, recursos y necesidades.

Planificación, creación de ideas, grabación, edición, alojamiento y difusión… son algunas de las secciones. Siendo muy interesante la que se dedica a libros y audios recomendados sobre creación de proyectos de estas características. Todas ellas van acompañadas de propuestas de tareas, ordenadas y con ejemplos, para que los alumnos tengan siempre una referencia para seguir y aprender.

En el repositorio de recursos que tienes a continuación, creado por el espacio ONDA NASSAU, puedes encontrar varias ‘cajas’ con enlaces a guiones de formatos radiofónicos, ideas sobre podcast en varias áreas educativas, webs de música y efectos gratis, tutoriales sobre programas de edición, recomendaciones de pódcast para escuchar, etc, que pueden ser útiles para desarrollar tu proyecto de radio, pódcast, audio… ¡lo que tú quieras!

No es todo lo que se puede encontrar en Internet, sino lo que a mí me gusta, me ha funcionado y por ello recomiendo. Se trata de un lugar al que puedes acceder libremente y descargar lo que necesites. Todas las ideas que se sugieren son eso mismo, sugerencias y puntos de partida para que personalices lo que tú quieres crear para tí mismo o para tu centro.

Hay una gran cantidad de imágenes gratis y libres para ser usadas, bajo las licencias Creative Commons, pero tienes que fijarte en que hay varios tipos de licencias CC y que pueden pedir la mención del autor a cambio del uso de la imagen.

Algunos lugares que te recomiendo visitar son:

• CC-Search: buscador de imágenes que tienen la licencia Creative Commons. En cada imagen se indica la licencia aplicada.
• Pixabay y Pexels: imágenes e ilustraciones de gran calidad, sin necesidad de mención. Se pueden descargar a diferentes tamaños.
• Unsplash: magnífico banco de imágenes. Tampoco necesita atribución del autor (aunque siempre se agradece).
• Google imágenes. Antes de elegir la foto que quieres descargar, pincha en Herramientas/Derechos de uso/Licencias Creative Commons.

• Wikipedia. Puedes usar las imágenes que se encuentran en esta web, pero ¡cuidado! no des clic al botón derecho para descargar. Pincha la foto, elige calidad y descarga. Al hacerlo, te indicará si debes mencionar al autor o no.

Monodía religiosa: Canto Gregoriano y Cantigas

La Iglesia tuvo un papel fundamental en la creación de la música occidental. Lo que actualmente sabemos sobre la música medieval procede en gran medida de fuentes de la época que describen casi exclusivamente la música religiosa, ya que la Iglesia era la que documentaba sus avances a través de la escritura.

La música tiene una enorme presencia en el oficio religioso. Cultivada en monasterios y catedrales, se expande y unifica en toda Europa con las peregrinaciones y el constante vigilar del canto por parte del papado.

Hasta el siglo XIII los cluniacenses y después los cistercienses, trabajarán por realzar el esplendor del oficio divino, a través de la arquitectura (iglesias, monasterios y catedrales) y de la música (con un oficio obligatoriamente cantado).

El canto gregoriano, atribuido al papa Gregorio Magno (por su labor de unificación musical de todas las tradiciones musicales litúrgicas del territorio), se impone como canto oficial, para unificar y suprimir los cantos de las iglesias regionales. Siendo las siguientes algunas de sus características:

Para garantizar la unificación del canto gregoriano, se creó un tipo de notación musical. Al principio, se utilizaron unos símbolos llamados neumas (signos encima del texto); después se dibujó una línea de color que servía de referencia, y finalmente se dibujaron cuatro líneas (tetragrama) sobre las que se situaba la notación cuadrada. Siendo esta última, la forma más característica de representación del canto gregoriano.

La invención de la notación y por tanto del abandono del aprendizaje puramente memorístico, se debe al monje Guido de Arezzo, que en su tratado Micrologus, describe un método de ayuda al canto llamado: mano guidoniana. Fue también el responsable de dar nombre a las notas, a partir del himno Ut queant laxis, dedicado a san Juan Bautista.

Las Cantigas de Santa María, son una colección de canciones en verso escritas en galaico-portugués que cuentan los milagros de la Virgen. Inspirada su creación por Alfonso X el Sabio, se encuentran recogidas en cantorales, adornados por miniaturas que nos dejan información sobre los instrumentos musicales de la época.

Polifonía religiosa: la catedral del Organum

Se suele creer que el canto gregoriano es exclusivamente canto llano y monodía, pero casi desde el principio usó determinadas formas de polifonía. La primera y más extendida fue el organum: composición a dos voces, en la que hay una parte preexistente, un fragmento de canto gregoriano (vox principalis), y otra superior nueva de mayor movilidad (vox organalis), a distancias de cuartas o de quintas.

En el siglo XII y ligada a Notre Dame de París, se creó una escuela en la que se desarrolló la polifonía, poniéndose al frente de ella Léonin (organum a dos voces) y Pérotin (organum a cuatro voces).

La música de esta época también tiene nombre de mujer: Hildegarda de Bigen, monja benedictina compositora de Ordo Virtutum, drama musical en el que se requieren 20 voces para narrar la lucha de 17 virtudes por un alma, contra su enemigo el Diablo. La parte del Diablo no tiene una melodía reconocible, expresándose solo a través de ruidos y gruñidos.

La voz del pueblo: música profana

La música popular se transmitía sobre todo oralmente, por lo que apenas se conserva notación musical de esta época. La escasez de fuentes escritas entre la gente no era tanto por un problema de alfabetización, como porque músicos, bailarines y artistas en general consideraban que un texto escrito no habría podido reflejar sus habilidades improvisatorias.

Sabemos que la música profana era monódica, utilizaba instrumentos, el ritmo medido, la lengua vernácula (con una relación silábica entre el texto y la melodía), frases cortas y perfil definido. Esta música era interpretada por juglares, trovadores y troveros.

Juglares

De clase baja, los juglares o ministriles (la palabra ministril se aplicó posteriormente a los instrumentistas de las capillas musicales) iban de aldea en aldea. Eran artistas polifacéticos: músicos, funámbulos y bufones, pero también periodistas, pues a través de sus obras a menudo transmitían las noticias de batallas a lugares remotos.

Cantaban canciones compuestas por otros o tomadas de la música popular y tanto los juglares como los ministriles tocaban de memoria y eran excelentes improvisadores. Estaban en el escalón más bajo de la sociedad y no eran bien vistos por la Iglesia, ya que entretenían al pueblo con un repertorio mundano y sensual. Desde el siglo XI se agrupan en cofradías y enseñan música.

Trovadores

De origen noble o cercanos a círculos aristocráticos, inventan las letras y componen las melodías de sus canciones. Son los grandes cantantes del amor cortés: un amor en que se idealiza a la mujer. Otros temas tratados son el espíritu caballeresco, los héroes de las cruzadas, etc. A veces viajaban acompañados de juglares, que interpretaban sus canciones.

Algunas obras que conviene recordar:

• Le jeu de Robin y Marion, probablemente escrito por Adam de la Halle (siglo XIII), en el que cuenta la historia de una pastora que, pese a ser cortejada por un lujurioso caballero, permanece fiel a Robin, su amado.
• Cantigas de Amigo, escritas por Martín Codax en el siglo XIII, en galaicoportugués, donde expresa las emociones de una mujer mientras espera el regreso de su amado.

Goliardos

El término se utilizó durante la Edad Media para referirse a cierto tipo de clérigos vagabundos y a los estudiantes pobres pícaros que interpretaban en las tabernas canciones obscenas, con las que mostraban su descontento y criticaban a la Iglesia, a la sociedad establecida y al poder. También interpretaban canciones líricas donde elogiaban el vino, la taberna, el juego, las mujeres y el amor.

La principal fuente que se conserva de música goliarda son los Carmina Burana (1200-1230).

Apuntes de cine

¿Quieres saber más?

Un scriptorium, en El nombre de la Rosa, de Umberto Eco (artículo)

Dies Irae, un meme musical del siglo XIII. Jaime Altozano (vídeo)

Reconstrucción de los instrumentos musicales de las Cantigas de Alfonso X el Sabio (artículo)

Cantigas de Santa María y la colección de instrumentos musicales que aparecen en ellas (artículo)

Hildegarda Von Bigen, una mujer excepcional (artículo)

La revolución orquestada de las categrales: el Gótico y la polifonía (artículo)

Archivo

Todos tenéis una cuenta de correo en (GMail) Google y por tanto la posibilidad de acceder a multitud de herramientas diferentes: documentos, hojas de cálculo, presentaciones, formularios… Una de esas herramientas es GOOGLE SITES, que: te permite crear una web de modo rápido y fácil, queda guardada en tu espacio DRIVE y puedes modificarla cuando quieras.

Ese espacio web creado por vosotros va a ser nuestro CUADERNO DIGITAL o portafolio durante este curso. Poco a poco iremos añadiendo contenido no sólo de texto, sino también de video e imagen, insertaremos enlaces… etc. Todo ello con el objetivo de hacernos un poco más competentes digitalmente y poder usar esa habilidad en otras materias, o para poner en marcha algún proyecto personal en el futuro.

Si quieres, puedes ver EJEMPLOS realizados por los propios alumnos, donde crean un CUADERNO DIGITAL en el Área de Música utilizando la herramienta SITES GOOGLE. Pincha la imagen y te llevará a cada uno de ellos.

Los pasos para crear una web en Google Sites están muy bien explicados en el tutorial que ha hecho el maestro José David Pérez.

Una vez que hayas creado tu SITES, para PUBLICAR Y COMPARTIR, debes:

• Presionar PUBLICAR (parte superior derecha)
• Pinchar el icono de ENLACE y compartir conmigo el enlace que te ofrece

No lo dudes, experimenta y crea tu propio rincón digital.

Durante este curso podremos afianzar conceptos e ideas que ya vimos el año pasado, aprender cosas nuevas, conectar con lo que nos rodea, compartir las habilidades que descrubrimos en otros y nosotros mismos, fortalecer nuestra confianza en que podemos alcanzar con éxito y satisfacción casi todo lo que nos propongamos.

Para ello, recuerda que son esenciales ingredientes como: ilusión, interés, humor, confianza y espíritu abierto a propuestas diferentes. 

Estoy segura de que podemos hacer cosas muy interesantes si trabajamos juntos. 

Los primeros días hablaremos de algunas cuestiones relacionadas con la organización de nuestro día a día, uso de espacios, la dinámica de las clases y nuestra actitud ante todo ello.  

Os presentaré ¡en gran pantalla! el documento que he preparado, en el que se detalla: 

• Cómo el aprendizaje es un proceso activo donde ambas partes son imprescindibles. 
• Contenidos de la asignatura y temporalización. 
• Instrumentos que utilizaré para enseñar y que vosotros aprendáis. 
• Evaluación (herramientas y criterios para evaluar). 
• Materiales necesarios. 
• Normas que debemos seguir por la pandemia por coronavirus. 

La razón de dar todas estas explicaciones no es solo que estéis informados, sino que tanto vosotros como yo tengamos presente un compromiso con nuestro trabajo, que deberá acompañarnos durante todo este curso. 

Si quieres saber más detalles sobre todo lo mencionado, pincha en la imagen que tienes a continuación.

¡Empezamos! 

Para entender lo mejor posible cuál es el contexto en el que el sonido se convierte en un elemento más del lenguaje cinematográfico, es necesario buscar los orígenes del cine, tan enraizados con aspectos económicos, sociales y culturales de una época y de dos zonas concretas del mundo: Europa y Estados Unidos.

Los contenidos de la siguiente presentación de Genially están basados en los episodios que sobre cine ha elaborado el podcast de El Descampao, de Sergio Mena.

No se trata de aprender teoría sin ton ni son, sino de aprender a MIRAR y VER de otra manera cuando estés ante una película. Por ello, junto a personajes importantes de la Historia del Cine, aparecerán conceptos muy utilizados en el lenguaje cinematográfico que debes aprender. Creo que es una guía muy buena de lo que vamos a estar hablando en clase. Que la disfrutes.

La música en el cine

Funciones

• Ambienta una época o lugar determinados, creando una atmósfera más creíble.
• Detalla o amplifica el significado de una imagen.
• Define el carácter de un personaje, estado mental, pensamientos de alguien, etc.
• Sugiere o intensifica emociones en el oyente: amor, alegría, miedo, tristeza, pasión.

Tipos

En función de la relación entre música e imagen:

• Música diegética: es la música que pueden oír los personajes de la película porque forma parte de la historia narrada. La fuente de la música aparece en pantalla. Puede provenir de un reproductor, como en Baby Driver (toda la música que oye el espectador es la producida por el iPod del protagonista), de la radio, televisión, o directamente ser interpretada por músicos, como en Bohemian Rhapsody.
• Música no diegética o música incidental: música que solamente los espectadores pueden oír. La fuente de la música no aparece en pantalla. Su objetivo es crear una atmósfera especial, como la futurista en la escena «Como lágrimas en la lluvia», de la película Blade Runner.

En función del propósito original de la banda sonora:

• Música original: banda sonora hecha expresamente para una película. Se denomina banda sonora original (BSO). Ej. Psicosis –música de Bernard Herrman–; Forrest Gump y Regreso al futuro –música de Alan Silvestri–; Gladiator –música de Hans Zimmer–; Joker –música de Hildur Guðnadóttir–.
• Música prestada o adaptada: banda sonora que toma música previamente compuesta. Esta música puede ser:

Evolución

Cine mudo

Para encontrar el origen del cine hay que viajar hasta París, donde el 28 de diciembre de 1896 los hermanos Lumière hacen la primera proyección para el público en general de la película La llegada del tren, una cinta de 50 segundos en la que los asistentes huyen despavoridos ante la llegada de un tren a vapor.

Aunque anteriormente hubo avances, como las proyecciones realizadas por Thomas Edison y los estudios sobre seres humanos y animales en movimiento de Eadweard Muybridge, esa era la primera vez en la que en un mismo espacio se congregaba un grupo de gente para tener una experiencia alrededor de la pantalla.

En esa primera proyección estuvo George Méliès, que con su Viaje a la luna, demostró que el cine no solo servía para mostrar la realidad, sino también para hacer trucos de magia y entretener a los que frecuentaban los bulevares parisinos en busca de nuevas sensaciones.

El cine de esta época era cine mudo, caracterizado por lo siguiente:

• Textos impresos. Al no haber diálogos, se proyectaban textos que aclaraban situaciones o partes importantes de la narración: sentimientos, saltos de tiempo o lugar…
• Narrador. A veces las proyecciones contaban con uno, que describía las situaciones con voz en off.
• Lenguaje corporal, primeros planos. Este cine era muy expresivo, casi exagerado, para que el público entendiera lo que sucedía en la pantalla.

Respecto a la música:

Cuando se proyectaba en salas pequeñas, solía acompañarse el visionado de música a piano, en directo y de modo improvisado. Si la sala era importante, podía haber una orquesta. A menudo los músicos contaban con repertorios compuestos por fragmentos musicales catalogados como «música de persecución», «temas de amor», «batalla», etc.

¿De dónde provenía la música que tocaban? Al principio, era música prestada (clásica y popular), que se adaptaba en velocidad e intensidad a cada situación, alternándola en muchas ocasiones con efectos sonoros (gracias a aparatos como el Fotoplayer). Más tarde, se empezó a componer música para las películas.

La música enfatizaba las imágenes y disimulaba el ruido que hacía el proyector. El público no esperaba escuchar la reproducción de los sonidos que se veían en la pantalla, sino una música que evocase determinadas situaciones. No dejes de leer lo que sobre la música en el cine mudo cuenta Harpo Marx.

Para entender mejor esta época, es fundamental mencionar a dos grandes del cine mudo: Charles Chaplin y Buster Keaton. Y no hay mejor forma de aprender sobre ellos, que a través del programa Descampao, con Sergio Mena y Santiago Negro.

Años 20

El director musical de las productoras de cine asumió nuevas funciones. Además de seleccionar fragmentos de música preexistentes y hacer arreglos, empezó a componer para los títulos de crédito y algunas escenas.

Los avances tecnológicos permitieron que la música quedara ligada a la imagen, de modo que la música no variaba en función del presupuesto de la sala donde se proyectara ni de las cualidades de los artistas intérpretes.

Los primeros sistemas que dieron con una buena sincronización de sonido e imagen, como el Vitaphone, permitieron grabaciones de discursos y números musicales (aunque se grababan los sonidos por un lado y la imagen por el otro). La primera película sonora de la historia fue El cantor de jazz (1928), largometraje en el que se alternaban fragmentos de cine mudo (con sus rótulos y música de fondo), canciones sincronizadas y una secuencia hablada.

Musicales: Un musical es un género en el que se combina diálogos, música, canciones y baile. Los musicales surgieron en el ámbito del teatro en Estados Unidos a finales del siglo XIX (Broadway, NYC) y más tarde pasaron al cine. Tuvieron un éxito inmediato ya que era una forma de entretenimiento que atraía rápidamente al público por la sencillez de su trama y los atractivos efectos visuales. The Broadway Melody (1929) fue el primer musical en el cine.

Años 30

La música en el cine va adquiriendo importancia: caracteriza personajes, enlaza secuencias, describe ambientes. A veces destaca un tema principal, presente durante toda la película y anunciado en los títulos de crédito (como la obertura de una ópera). Otras, se utilizan leitmotiv para los personajes.

Muchos compositores de música de cine encuentran su inspiración en los grandes de la música sinfónica del Romanticismo.

La primera productora que apuesta por el cine sonoro es Warner Bros Pictures. El ascenso del régimen nazi obliga a muchos compositores a exiliarse a los Estados Unidos. Es el caso de Max Steiner, que con esta productora, compondrá una de las bandas sonoras más exitosas de la historia: la música de Lo que el viento se llevó (1939).

En el campo tecnológico se producen grandes avances, ya que el Movietone permitió grabar imagen y sonido en una misma cinta, evitando los problemas de sincronización que se daban con el Vitaphone (además de que este requería una costosa inversión en equipo específico). Eso sí, cuando había que doblar en otro idioma, la música debía ser grabada de nuevo.

El musical se convierte, junto al cine negro, en uno de los géneros preferidos por el público. De esta época es la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers, que protagonizaron películas como Sombrero de Copa, con números de baile que poco tenían que ver con la trama y que buscaban mostrar las habilidades del bailarín.

A finales de esta década se estrena una de las películas más taquilleras del momento, El Mago de Oz, en la que Judy Garland ganaría un Óscar como mejor estrella infantil.

Años 40&50

Se consolida la creación de las bandas sonoras, con importantes avances:

• Grabación de la pista de sonido a tres bandas: ruido ambiental, música y diálogo. De este modo, cuando se dobla una película solo se modifica la pista de diálogos.
• Los compositores crean la partitura una vez que se ha terminado el rodaje y la graban dirigiendo a la orquesta mientras la película es proyectada en una pantalla.
• Nacimiento del Cinemascope: sistema de grabación que se popularizó en esta época en el que se proyectaban imágenes mucho más anchas que altas, con el fin de ampliar el campo visual. Este sistema hizo un mejor uso del color y permitió la grabación del sonido en estéreo. Puedes saber más sobre los diferentes formatos de proyección en estos vídeos, en español y en inglés.

La época dorada de Hollywood acogió a grandes compositores, como:

• Miklos Rózsa (Ben-Hur)
• Bernard Herrmann, músico de referencia de Alfred Hitchcock (Psicosis, Vértigo, Con la muerte en los talones, Marnie) y de Orson Welles (Ciudadano Kane).

De esta época es El Gran Dictador, con Charles Chaplin como productor, guionista, actor y compositor.

Los musicales buscaban divertir al público y no complicarse. Lo conseguirían con Gene Kelly: actor, bailarín, coreógrafo, productor y director. En Un día en Nueva York, Gene Kelly junto a Stanley Donen sacaron los rodajes al exterior. De los años 50 es el exitoso Cantando bajo la lluvia.

Años 60

Se consolidan algunas características que se habían insinuado ya en los años 50:

• El jazz se incorpora a las bandas sonoras, como estilo de música más apropiado que el sinfónico derivado de la música clásica del siglo XIX, para expresar ambientes turbios y sentimientos oscuros.

• Adquiere mayor importancia la música de los títulos de crédito. Con frecuencia se utiliza para ellos una canción de un compositor, que aparecerá durante la película como leitmotiv. Estas canciones se llegan a hacer más famosas que la propia banda sonora. Es el caso de Henri Mancini y La pantera Rosa (también autor de Desayuno con diamantes). Este impulsará el arreglo de las bandas sonoras para venderlas en discos, como un producto independiente de la imagen.
• El éxito de grupos de música pop como The Beatles, popularizará la creación de películas basadas en ellos (Help, Yelow Submarine, Hard Day’s Night) o la aparición de música pop y rock conocida, aunque nada tenga que ver con la imagen (música de Simon&Garkunkel, en El Graduado).

Compositores que destacan : Maurice Jarre, compositor francés, con las películas Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia.

Ennio Morricone, que con El bueno, el feo y el malo mezcla en la pantalla de forma magistral instrumentos tradicionales (guitarra, flauta, trompeta, percusión), silbidos y voces. Sus películas lanzan al estrellato a Clint Eastwood. De este músico también es la banda sonora de La Misión.

En esta época se estrenaron extraordinarios musicales como West Side Story (dirigida por Robert Wise y ganadora de 10 Óscar), My Fair Lady, Mary Poppins, Sonrisas y lágrimas (ambas protagonizadas por Julie Andrews). Aun siendo películas galardonadas con muchos e importantes premios, este género inicia su decadencia debido al cambio en los gustos del público.

Años 70

A pesar de la fuerte presencia de las canciones en la música en el cine, vuelve el concepto tradicional de la banda sonora con la música sinfónica, de la mano de uno de los mayores y más prolíficos compositores de música para el cine de la historia:

John Williams con La Guerra de las Galaxias vuelve al estilo sinfónico (huyendo del uso de los sintetizadores, avances tecnológicos y canciones populares). Habitual colaborador del director Steven Spielberg, con el que hará Tiburón, muestra en esta película el poder de una melodía para evocar en el espectador sentimientos extremos antes de que se relacionen con una imagen (no dejar de escuchar a Jaime Altozano). Para Superman y El Imperio Contrataca, contó con la colaboración de Angela Morley. Son innumerables los tributos que se han hecho a su carrera musical.

Nino Rota, con la legendaria El Padrino y Jerry Goldsmith, quien se inspira en los clásicos como Debussy, Ravel, Xenakis y Penderecki para crear la música de la terrorífica Alien, el octavo pasajero.

Wendy Carlos, famosa por su música electrónica y el uso de sintetizadores, participó en la banda sonora de El Resplandor, La Naranja Mecánica y Tron.

De esta época es 2001, Odisea en el Espacio, una película de Ridley Scott con la banda sonora formada únicamente por piezas de repertorio clásico.

En los musicales se incorporaron coreografías y decorados espectaculares, con la ópera rock Jesucristo Superstar de Andrew Lloyd Webber y Cabaret, del coreógrafo y director Bob Fosse. Pero los grandes éxitos de taquillas fueron protagonizados por Fiebre del sábado noche y Grease, ambas protagonizadas por John Travolta.

La música se separa definitivamente de la pantalla cuando la banda sonora se convierte en un éxito de ventas. Es el caso Fiebre de un sábado noche, con la música de Bee Gees y su disco, el más vendido de la historia (hasta que cuatro años después fue superado por Thriller, de Michael Jackson).

Años 80

Esta es la década en la que los sintetizadores se convierten en los grandes protagonistas de las bandas sonoras, ya que abaratan los costes de producción y pueden producir cualquier sonido.

Vangelis sitúa en primer plano la música electrónica con Carros de Fuego y Blade Runner, siendo él mismo el que controla todo el proceso creativo como único compositor, arreglista e intérprete. A su lado, John Williams (E.T.) y Jerry Goldsmith (Poltergeist), continúan con el estilo sinfónico.

En los ochenta, la película Annie (1982, dirigida por John Huston) nos recordó la grandeza del género musical, y la espléndida ¿Víctor o Victoria? (1982, dirigida por Blake Edwards y con música de Henry Mancini) es tal vez la última gran comedia musical.

Años 90

• Se produce una fusión en las bandas sonoras entre la música sinfónica y el uso de sintetizadores, aprovechando las ventajas de ambas tendencias.
• El uso de canciones comerciales interpretadas por los grupos de moda se populariza de tal forma que a menudo nada tienen que ver con la imagen, pero sí con la promoción de la película y el aumento de beneficios (es el caso de los temas principales de las películas: Pretty Woman y El guardaespaldas).

En este sentido, es muy interesante lo que ocurre en la banda sonora de Forrest Gump, ya que combina la música original compuesta por Alan Silvestri para los momentos más emotivos, con la música popular de la historia reciente de los EE.UU. para ilustrar las diferentes etapas de la vida del protagonista. Apareciendo canciones de The Beach Boys, The Doors, Elvis Presley, Joan Baez, The Mamas&The Papas, Simon&Garfunkel. Por lo que la presencia de la música pop queda totalmente justificada.

El estilo sinfónico sigue presente con compositores como James Horner en Braveheart y Titanic.

Otros autores imprescindibles:

Hans Zimmer (entrevista por Jaime Altozano) y el uso que hacía de los sintetizadores, samplers y estilo sinfónico para su música, produce bandas sonoras en películas de éxito como: El Rey León, La Roca o Misión Imposible. Anne Dudley, con el Óscar por Full Monty y las colaboraciones en Los Miserables y Elle.

De los años 90 es el musical del director Alan Parker, que unió a la reina del pop, Madonna, con el actor Antonio Banderas en el musical Evita, con música de Andrew Lloyd Webber.

El cine de animación también se preocupa por la música, contratando a grandes compositores como Alan Menken, autor de: La bella y la bestia (1991); Hans Zimmer: El rey león; Dani Elfman: Pesadilla antes de Navidad, etc.

Años 2000

El estilo sinfónico continuó con John Williams (Harry Potter), Hans Zimmer (Piratas del Caribe, Gladiator, Sherlock Holmes, Origen, Interstellar), Howard Shore (El señor de los anillos).

Indispensable mencionar la prolífica colaboración entre el músico Danny Elfman y el director Tim Burton, dando lugar a títulos como: Charlie y la fábrica de chocolate, Pesadilla antes de Navidad, La novia cadáver, Alicia en el País de las Maravillas, etc.

Con grandes creaciones por parte de Rachel Portman, con un Óscar por Emma y títulos como Chocolat y Las normas de la casa de la Sidra. Y Lisa Gerrard (Gladiator)

De esta época debemos mencionar compositores españoles como:

Alejandro Amenábar (director y compositor en Los Otros, Mar Adentro y Mientras dure la guerra, entre otros), José Nieto (Juana la Loca), Roque Baños (Torrente), Alberto Iglesias (Tierra, Hable con ella, La piel que habito) en España, Eva Gancedo (premio Goya por La buena estrella), Victoria de la Vega (Nothing Without You).

En cuanto a los musicales, durante estos años se vive la incorporación de canciones preexistentes de pop and rock. Prueba de ello es: Moulin Rouge (2002), Mamma Mia! y Chicago (2002).

En 2006 comenzó la saga High School Musical. Concebida para televisión y llevada posteriormente al cine, supo conectar el género musical con el público adolescente. Y Disney promovió los musicales con títulos como Tiana y el Sapo (2010), Enredados (2010) y Frozen (2013).

Imposible no mencionar Los miserables, una cinta en la que todo el sonido es grabado in situ y cuyos diálogos son completamente musicalizados. Y la oscarizada La, la, land (2016), compuesta por Justin Hurwitz. Y terminamos con la banda sonora de The Greatest Showman (2017), que obtuvo grandes ventas como disco independiente siendo en 2018 en el Reino Unido el que más tiempo pasó como número uno (en los últimos 30 años).

La música en las series

¿Tiene la banda sonora de las series algo que le caracteriza? Así es, y cada uno de nosotros sabemos más sobre el poder de la música para tocar nuestros sentimientos, de lo que podemos imaginar. Por eso lo hablaremos y compartiremos tranquilamente cuando estemos juntos. Hasta entonces, algunas ideas son:

• La música acompaña a la imagen, pudiendo cambiar su sentido y la percepción que de ella tiene el oyente.
• Contribuye a profundizar en las historias, gracias a momentos musicales muy bien pensados.
• Las series generan pasiones, adeptos que comparten y defienden cada uno de sus detalles. Ellas participan del éxito o buen hacer de un tema musical, que al mismo tiempo puede beneficiarse de la popularidad de la cinta.
• Los creadores de series para adolescentes tienen clara la importancia de la música para enganchar a este tipo de público.
• El éxito de una serie y el acierto del repertorio musical, puede llegar a poner de moda un estilo del pasado (Stranger Things y la música de los 80).

Tan solo dejo aquí una breve relación de series recientes de gran impacto, con referencia a la música que les acompaña:

Stranger Things, 2016 (coproducida por Netflix), ambientada en los 80, aparecen muchos de los temas de esta época junto a los compuestos por Kyle Dixon y Michael Stein.

La casa de papel, 2017 (producida por Atresmedia, Netflix), con música tomada de estilos muy diferentes. La melodía principal My life is going on es de Cecilia Krull (también en Vis a Vis).  

Dark, 2017 (Netflix), sobrecogedora banda sonora con piezas originales de Ben Frost y con una extensa y exquisita selección de temas musicales.

Chernóbil, 2019 (producida por HBO), música escrita por Hildur Gudnadóttir y creada a partir de los sonidos que ella misma obtuvo de objetos situados en la central nuclear, con el objetivo de estremecer y transportar al público al lugar de los hechos.

Devs, 2020 (HBO), con música de Ben Salisbury y Georff Barrow, contiene música muy sugestiva con grandes dosis de experimentación electrónica.

¿Quieres saber más?

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Archivos

02.- TARJETAS CONCEPTOS

El sonido es una sensación que produce un objeto al vibrar. Se trata de un proceso complejo en el que cuando un cuerpo vibra, sus partículas se aproximan y separan con un movimiento de vaivén, produciéndose entre ellas cambios de presión (vibraciones).

Esas vibraciones generan ondas sonoras, que necesitan un medio transmisor elástico para desplazarse, ya sea sólido, líquido o gaseoso. Si ese medio no es capaz de experimentar las vibraciones o cambios de presión, entonces las ondas sonoras no pueden viajar. Por eso en el vacío no hay sonido.

Finalmente, cuando las ondas sonoras llegan al medio receptor (nuestro oído), este las transforma en la sensación que percibimos e interpretamos como sonido.

• Experimenta 1. Muelle de colores. Sonido: ondas longitudinales: Si dos personas sujetan un muelle desde ambos lados y una empuja ligeramente, se puede ver cómo los aros se agolpan y se separan lentamente. Las vibraciones son paralelas a la dirección de la onda.

El sonido se mueve en todas las direcciones. Si habláis, ¿os pueden escuchar los que están a vuestra espalda? Sí, con menos intensidad, pero sí.

• Experimenta 2. Pon bolitas de poliespán sobre una superficie tensa, como una pandereta. Produce un sonido a su alrededor y observa lo que ocurre.

• Experimenta 3. El mismo experimento se puede hacer con una bola en la superficie del agua.

Velocidad del sonido. Depende, entre otras cosas, de la densidad de la materia. Cuanto más densa es (en un cuerpo sólido las partículas de ese cuerpo están más cerca unas de otras), más rápidamente se transmite el sonido.

Ejemplos: Aire, a 20º: 340 m/s l Agua, a 25º: 1593 m/s l Aluminio: 6.400 m/s

Cualidades del sonido

Todos los sonidos no son iguales porque en ellos pueden ser distinguidas CUATRO cualidades que se relacionan directamente con ciertas características de la onda que produce el sonido.

Altura

Cualidad del sonido que nos permite distinguir sonidos AGUDOS de GRAVES. Depende del número de vibraciones u oscilaciones por unidad de tiempo. Se mide en hertzios. Más oscilaciones: más agudo. Menos oscilaciones: más grave.

Nosotros escuchamos los sonidos que se encuentran entre 20 Hz (20 vibraciones por segundo –muy grave–) y 20.000 Hz (20.000 vibraciones por segundo –muy agudo–). Los infrasonidos son aquellos sonidos con una frecuencia tan baja (<20 Hz) que nuestro oído no puede apreciarlo. Y ultrasonidos a aquellos que no podemos percibir porque su frecuencia supera los 20.000 Hz, es decir, están por encima de nuestro umbral de audición.

Algunos insectos y mamíferos (delfines y murciélagos) utilizan los ultrasonidos como si fueran un radar para su orientación (ecolocalización). Las ondas emitidas por ellos se reflejan en los objetos que hay alrededor, permitiéndoles crear una imagen del lugar donde se encuentran.

Animales como los elefantes, ballenas y tigres utilizan los infrasonidos para comunicarse. Y desastres naturales como terremotos, tornados y erupciones volcánicas se manifiestan al comienzo con infrasonidos.

En medicina, las ecografías permiten hacer diagnósticos por imágenes con ultrasonido.

• Experimenta 4. Con masa de Maizena encima de un altavoz, se puede observar cómo reacciona con las vibraciones de sonido.
• Experimenta 5. Teléfonos con vasos de yogur e hilo fino. Transmisión vibraciones.
• Experimenta 6. Instala en el móvil una app gratuita para jugar con las frecuencias. Ponte unos buenos auriculares y comprueba los sonidos más graves y agudos que eres capaz de oír. Fíjate al mismo tiempo en el tipo de onda que se genera según cambias la frecuencia.
• Experimenta 7. Si tienes en clase unos Boomwhackers o unos xilófonos, golpéalos y percibe las diferencias de altura. Coge varias copas con líquido en diferentes alturas y comprueba las diferencias de sonido al golpear o deslizar el dedo por el borde superior de las mismas.

La altura de los sonidos se representa en el lenguaje musical utilizando notas musicales.

El diapasón de horquilla es un objeto que produce un sonido (la nota LA de 440 vib/s) y que sirve para afinar instrumentos musicales. Hoy en día, los diapasones más utilizados son digitales y adaptados a cada instrumento.

Intensidad

Es la cualidad que permite diferenciar entre sonidos DÉBILES y FUERTES.

Los sonidos que percibimos deben superar el umbral auditivo (0 dB) y no llegar al umbral de dolor (140 dB). Es necesario utilizar protectores en ambientes con niveles de sonido superiores a 85 dB (si se perciben de forma prolongada). Los daños producidos en el oído por exposiciones a ruidos muy fuertes son acumulativos e irreversibles y pueden producir pérdida de audición, trastornos nerviosos, cardíacos y mentales.

Para controlar la cantidad de sonido en un lugar, se puede utilizar el sonómetro, que es un aparato que permite medir las variaciones de intensidad producidas por uno varios objetos.

• Experimenta 8. Instala en tu móvil la app gratuita (Sound Meter, por ejemplo). Mide la cantidad de sonido que hay a tu alrededor, en diferentes lugares, situaciones y horas del día. Valora los resultados y piensa en qué podríamos hacer para mejorar nuestro entorno.

Duración

Cualidad del sonido que diferencia sonidos LARGOS de CORTOS. Depende de la cantidad de tiempo que ese sonido permanezca. Se mide en unidades de tiempo: segundos, minutos…

En música se utiliza con frecuencia el metrónomo, un aparato que marca el puso de forma constante. Si quieres experimentar con el metrónomo (y con una gran variedad de ritmos), no dejes de consultar este enlace.

Timbre

Cualidad del sonido que nos permite distinguir QUIÉN o QUÉ lo está produciendo. Esta cualidad no tiene una unidad de medida y depende de los materiales o el modo en que esté construido el objeto sonoro. En una partitura, para representar el timbre es necesario indicar qué instrumento debe sonar en cada momento.

Antes de pasar al siguiente concepto, no dejes de jugar un rato con este Osciloscopio virtual. Simulador, con el que puedes introducir variables de frecuencia, intensidad y duración, observando en el momento la curva resultante.

Fenómenos del sonido

Eco

Es el efecto del sonido que se produce cuando una onda sonora choca contra una superficie y se refleja con suficiente energía como para volver a su fuente de origen como un sonido repetido.

Para que se produzca eco se tienen que dar unas condiciones: la superficie contra la que choca la onda debe estar al menos a 17 metros de distancia, y la onda sonora reflejada debe volver en no menos de medio segundo.

Es muy interesante lo que ocurre con el sónar, que se puede ver en algunas películas antiguas de guerra, y que se basa en la reflexión de las ondas sonoras en diferentes objetos.

Reverberación

La reverberación es el efecto de permanecer el sonido en un espacio después de que la fuente haya cesado de emitir.

Puede ser beneficioso y reforzar la sonoridad, o ser nocivo. En lugares como los auditorios se busca que haya un poco de reverberación. Pero en otros, como los gimnasios de los centros educativos, la reverberación es tan alta que puede resultar muy molesta (sonido ahuecado). La sensación que producen las ondas sonoras en uno y otro lugar varía dependiendo de factores como el tamaño de la sala o los materiales de los que esté hecha la misma (que sean más o menos absorbentes).

En nuestra aula de música, las paredes y el techo tienen unos materiales especialmente absorbentes, que evitan que la onda sonora se refleje numerosas veces en su interior. Aunque varias personas estemos hablando, cantando o percutiendo objetos, el sonido es cálido.

Efecto Doppler

Es el cambio de frecuencia del sonido que se aprecia cuando el receptor está quieto y el objeto que produce el sonido en movimiento. Si te paras cuando se acerca una ambulancia con la sirena activa, notarás que cuando se acerca a ti el sonido es agudo y cuando se aleja el sonido se vuelve más grave.

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Archivos

Creo que tenéis que ser muy ambiciosos y no conformaros con escuchar lo que os puedan contar en clase, sino además sentiros los protagonistas de este proceso de enseñanza y aprendizaje que se puede vivir en el aula. ¡Vosotros tenéis el papel principal! Y os toca aprovechar la materia de Música para poner en acción vuestras habilidades, descubrir otras nuevas, compartir con los compañeros y que todo ello sirva para fortalecer al grupo. 

En ese proceso, que exige curiosidad y esfuerzo, veo imprescindible que pongamos sobre la mesa ilusión, interés, humor, confianza y espíritu abierto a propuestas diferentes.

Estoy segura de que podemos hacer cosas muy interesantes si trabajamos juntos.

Los primeros días hablaremos de algunas cuestiones relacionadas con la organización de nuestro día a día, uso de espacios, la dinámica de las clases y nuestra actitud ante todo ello. Además, os ayudaré a conocer mejor algunas herramientas TIC que pueden resultarnos muy útiles.

Hablaremos de ello teniendo delante un documento que he preparado, en el que se detalla:

• Cómo el aprendizaje es un proceso activo donde ambas partes son imprescindibles.
• Contenidos de la asignatura y temporalización.
• Instrumentos que utilizaré para enseñar y que vosotros aprendáis.
• Evaluación (herramientas y criterios para evaluar).
• Materiales necesarios.
• Recuperación y seguimiento de pendientes.
• Normas que debemos seguir por la pandemia por coronavirus.

La razón de dar estas explicaciones no es solo que estéis informados, sino que tanto vosotros como yo tengamos presente un compromiso con nuestro trabajo, que deberá acompañarnos durante todo este curso.

Si quieres información detallada, la puedes encontrar en la imagen que hay a continuación.

¡Empezamos!