La necesidad de desarrollar las exigencias de este área (que se asigna cada año a un docente diferente), junto con una curiosidad enorme por las tradiciones que se van heredando de generación en generación y una certeza absoluta por las posibilidades que ofrece trabajar con el audio educativo, llevó a recorrer este camino.

¿Cuál ha sido el resultado? La posibilidad de conocer nuestra tierra de cerca, a través de la experiencia personal de gente próxima a nosotros, que además comparte en ese camino tiempo de radio, tertulia, tiempo de escucha. Creando lazos y vivencias diferentes entre profesores y alumnos. No sólo aprendemos, sino que mejoramos la convivencia en el centro.

El audio educativo muestra, una vez más, que es un medio único de acercarse a diferentes aspectos del conocimiento, permitiendo que éste no sea algo frío y abstracto, sino real y conectado con cada uno nosotros.

De algunos de ellos dejamos información y enlaces por si quieres profundizar más. Te animo a que les escuches.

Joaquín Díaz

• Natural de Zamora, 1947.
• A mediados de la década de los años sesenta, y como fruto de su interés por la cultura tradicional, comenzó a dedicarse por completo al estudio y divulgación de la música.
• En 1976 abandona las actuaciones en público para dedicarse a la investigación de la cultura popular, especialmente de la Comunidad de Castilla y León.
• Ha dado conciertos y conferencias en casi todas las Universidades españolas y otras muchas de Portugal, Francia, Italia, Alemania, Holanda y Estados Unidos.
• Ha publicado más de medio centenar de libros sobre diversos aspectos de la tradición oral: romances y canciones, cuentos
• Tiene grabados más de cien discos y ha dirigido y producido otros tantos con numerosos intérpretes y grupos de música tradicional.
• Director de la Revista de Folklore (una de las más importantes publicaciones españolas de cultura tradicional) desde su creación en 1980.
• Director de la Fundación que lleva su nombre, ubicada en la villa de Urueña
• Más información, aquí.

Paco Díez

• Castellano, de Piñel de Abajo (Valladolid).
• Filólogo de formación, cantante, músico autodidacta, productor y amante de la buena cocina.
• Fundador y director del Aula-Museo de Instrumentos Tradicionales Ibéricos (Mucientes-Valladolid) con más de 450 piezas expuestas.
• Especialista en Música Tradicional Ibérica y Sefardí.
• En 2017 y 2019 estuvo enseñando Organología Tradicional Ibérica y Música Sefardí en la School of Music de la University of Washington (Seattle-USA).
• Ha grabado 18 discos y ha realizado cerca de tres mil conciertos tanto en solitario como con sus diferentes propuestas (La Bazanca, Tradibérica, Tres Culturas Tres, Esencias de Sefarad, etc).
• Más información, aquí.

El Naán

• Grupo nacido en 2009.
• Sede: en Tabanera de Cerrato (Palencia).
• En su obra está muy presente no sólo la música, sino también la poesía.
• Buscan la experimentación a través de la música, el teatro, las artes plásticas, siendo la emoción un elemento común en todas ellas.
• El Naán es una propuesta que rastrea en el espíritu étnico de la música tradicional ibérica haciendo uso de del sonido que tiene la música tradicional propia, para una creación contemporánea.
• A menudo crean sus propios textos, dándoles luego un carácter muy respetuoso con lo relacionado con la tradición oral.
• No sólo hacen grabaciones, sino también conciertos en directo, en los que es fácil ver cómo mezclan la música tradicional de diferentes partes del mundo.
• Más información, aquí.

A continuación, tenéis enlaces que completan los ya aportados en la entrada de la Cultura de tradición oral en Castilla y León. Joaquín Díaz, hablando en el programa ‘Un país para escucharlo’. Entrevista a Paco Díez, en el Aula-Museo de Instrumentos musicales ibéricos, Y por último, el grupo El Naán, canta ‘La danza de las semillas‘.

Otros tres grupos de los que nos parece imprescindible hablar son: Fetén Fetén, La Musgaña y La M.O.D.A.

Fetén Fetén

• Dúo formado desde 2009 por Jorge Arribas (Valladolid) y Diego Galaz (Burgos).
• Interpretan música tradicional mezclada con elementos de los bailes (fox-trot, vals, chotis, seguidillas o habaneras) y otras culturas.
• Interpretan la música con instrumentos tradicionales e instrumentos insólitos. Diego: Violín, violín trompeta, phonoviolín, serrucho, mandolina, gaviotas y… vacas. Jorge: Acordeón, flauta silla de camping, ala de buitre, basuri, recogeval, gaita box de vino, castañuelas y… cencerro.
• Desde que comenzara su andadura en 2009, el dúo ha autoproducido con micromecenazgo los álbumes   “Fetén Fetén” (2011) y “Bailables” (2014). 
• En 2016 llegaría “Cantables”, un disco en el que incorporan letras y voces a sus composiciones musicales con artistas de la talla de Fito Cabrales, Jorge Drexler, Julieta Venegas o Natalia Lafourcade, entre otros. 
• En el 2018 publican “Melodías de Ultramar”, autoproducción en la que nos proponen acompañarles en los viajes que han realizado por los mares y océanos que unen cada uno de los lugares visitados por esta original formación.
• En septiembre de 2021, junto al compositor y productor Sebastian Schon editaron “Cantables II” en el que de nuevo suman letras y cantantes a sus melodías en 16 canciones interpretadas por artistas como Coque Malla, Bunbury, El Kanka, Depedro o la M.O.D.A.
• Durante los años 2023 y 2024 están realizando una intensa gira por España y otros países.
• Sus conciertos se caracterizan por ser amables, cercanos, didácticos. Se dirigen al público al que quieren enseñar el origen y sentido de su música.
• Más información, aquí.

La Musgaña

• Banda de música folk o tradicional, con gran reconocimiento en nuestro país y a nivel internacional.
• El germen de este grupo se encuentra en 1986, en una localidad de Madrid.
• Formado por 5 personas, al principio: Quique Almendros (influencia celta) y dos madrileños: Jose Climent (también influenciado por aires celtas) y Rafa Martín (facción andina), Carlos Beceiro y Jaime Muñoz.
• Para conocer la música tradicional de Castilla, realizan un viaje escuchando la música tradicional de cada lugar y entrevistando a músicos tradicionales.
• Investigan sobre instrumentos tradicionales y aprenden a usarlos (flauta de tres agujeros, tamboril, gaita de la sierra de Madrid). Combinando estos con otros más clásicos (clarinetes y flautas).
• A lo largo de su larga carrera artística han formado parte de este grupo músicos como Diego Galaz, Jorge Arribas o Luis Delgado.
• Han realizado giras internacionales, sobre todo en Estados Unidos.
• Miembros actuales del grupo: Jaime Muñoz (clarinete, flautas y gaitas), Carlos Beceiro (zanfona, guitarra, cistro), Luis Antonio Pedraza (flauta tres agujeros, gaita sanabresa, canto y pandereta).
• Más información, aquí.

La M.O.D.A.

• Grupo burgalés formado en 2011, con 7 personas: Álvar de Pablo (saxofón, clarinete y coros), Caleb Melguizo (batería y percusiones), Joselito Maravillas ‘El reverendo del blues’ (acordeón y coros), Jorge Juan Mariscal (bajo), David Ruiz (voz y guitarra), Jacobo Naya (teclados, percusiones, banjo y guitarra) y Nacho Mur (guitarra y mandolina).
• La trayectoria de la banda siempre ha girado en torno al directo.
• En los últimos años, el grupo (que ha editado cinco LP ‘s, varios EP’ s y dos discos en directo) ha estado inmerso en la gira de presentación de su último trabajo, ‘Nuevo Cancionero Burgalés’, pasando por las principales salas y festivales del país, incluyendo dos actuaciones en el Wizink.
• ‘Nuevo Cancionero Burgalés’ es un disco inspirado en el repertorio popular de Burgos. Basado en dos libros del siglo pasado, escritos por Federico Olmeda (1903) y Antonio José (1932), que recopilan canciones populares burgalesas.
• Las están escritas con un lenguaje popular y cercano (en temática y en palabras). Y hablan de sentimientos o situaciones universales y atemporales. Todo gira entorno a una idea: los puntos de unión entre las personas, aunque hayan nacido en lugares distintos y en siglos diferentes.
• Este álbum una manera de acercarse a nuestras raíces y a nuestros mayores. Según cuentan los miembros del grupo: ‘hemos estado un año trabajando con los textos, escogiendo aquellos que más nos transmitían. Una vez que tuvimos las letras empezamos a componer la música y las melodías de voz desde cero, intentando que se reflejase nuestra identidad sonora’.
• Con este disco se crean canciones nuevas a partir de unas letras vivas, que han ido transmitiendo de generación en generación porque significaban algo para mucha gente.
• Más información, aquí. Entrevista, aquí.

Para apreciar mejor su música, escucha estas propuestas. ‘Jota del Wasabi’ (Fetén Fetén), ‘Inviernas‘ (La Musgaña), ‘Miraflores’ (la M.O.D.A.).

Rodrigo Cuevas

Nacido en Oviedo, ha vivido varios años en Galicia y actualmente reside en un pueblo de Asturias. En 2023 ganó el Premio Nacional de las Músicas Actuales, por ser un gran intérprete y estudioso de la música tradicional y fusionarla con estilos más modernos.

En un panorama musical cada vez más globalizado, Rodrigo Cuevas emerge como una voz única, capaz de fusionar las raíces más profundas de la música asturiana con sonidos contemporáneos y una estética transgresora. Cuevas es un auténtico agitador cultural que reivindica la importancia de las tradiciones populares y las convierte en un lenguaje universal.

Su capacidad para conectar con el público más joven y su compromiso con la recuperación y revitalización de las tradiciones populares hacen de él un artista único y necesario.

Os dejo los enlaces de sus discos, que son un auténtico deleite: Manual de Cortejo (2019), Manual de Romería (2023), Manual de Belleza (2026).

Para conocer a este increíble artista, escucha estas entrevistas y un video con un plano secuencia que incluye tres piezas de su último trabajo (Un mundo feliz, BLZA, Sácame a bailar, del disco Manual de Belleza).

Vanesa Muela

Cantante y percusionista, nació en Laguna de Duero (Valladolid) en 1978. Licenciada en Historia por la Universidad de Valladolid desde el 2003 y especialista en Estudios sobre la Tradición. Vanesa comenzó a cantar a la edad de cuatro años y a los seis realizó su primer recital.

En su repertorio lleva temas de las nueve provincias de Castilla y León: jotas, romances, cantos de trabajo, de Navidad, de carnaval, charros, charradas, fandangos, seguidillas, agarraos, ligeros, rondas, corridos, rumbas, etc.

Además, en sus conciertos se acompaña de una veintena de instrumentos tradicionales: guitarra, rabel, pandereta, pandero cuadrado, conchas, criba, carajillo, zambomba, darbouka y diversos instrumentos de cocina como el almirez, las cucharas, la sartén o la tapadera de olla.

Videos: Varios instrumentos musicales, Romance del pastor y Entrevista a Vanesa Muela.

Cómo funciona el oído

El oído humano está formado por un conjunto de partes del cuerpo capaces de transformar las vibraciones del aire o de otro medio transmisor en señales neuronales, que el cerebro analiza e interpreta según patrones sonoros adquiridos con el tiempo.

De forma muy breve, el proceso de audición consiste en que: las ondas sonoras, que llegan a través de la oreja y el conducto auditivo externo, hacen vibrar la membrana auditiva (tímpano), donde son transmitidas a través de los pequeños huesos (martillo, yunque y estribo) hasta el caracol. Allí se convierten en señales nerviosas que llegan al cerebro para ser procesadas.

Ese procesamiento generalmente incluye la identificación de la fuente de origen del sonido, su ubicación espacial (distancia y dirección con respecto al oyente) y comprensión de su significado.

El significado de los sonidos se aprende sin que seamos conscientes del complicado proceso que implica. Diferenciar un golpe de una mesa de un golpe sobre una puerta tiene que ver con experiencias previas.

El sentido del equilibrio

En el sentido del equilibrio actúan varias partes de nuestro cuerpo: la vista, las articulaciones, los músculos y el laberinto membranoso del oído interno.

En este laberinto están los canales semicirculares, dispuestos en los tres planos del espacio. En estos canales están las células ciliadas, que, en contacto con el líquido endolinfa, vibran o se mueven cuando se produce un sonido o un cambio en la posición del cuerpo. Cuando esto ocurre, esas células recogen la información y la mandan mediante impulsos nerviosos al nervio auditivo, que la envía al cerebro.

Cuando giramos varias veces sobre nosotros mismos, al parar, la endolinfa sigue girando y la información que recibe nuestro cerebro es contradictoria, pues por una parte parece que seguimos moviéndonos, pero por otra nuestra vista y músculos nos indican que estamos parados. Esta contradicción se traduce en la sensación de mareo. Si queremos acabar con ella, bastaría con girar en sentido contrario (como lo hacemos con el Cola Cao de las mañanas, si queremos que deje de girar en nuestro tazón).

Diferente es la sensación de mareo que se produce con la enfermedad de vértigo. En este caso esas células y el laberinto no están funcionando correctamente. Aunque no hay una medicina que lo solucione, sí que hay sustancias que mitigan la sensación de mareo hasta que el laberinto vuelve a funcionar bien.

Preguntas que surgen

Cómo es posible escuchar la voz de un amigo en una sala llena de gente

Todos hemos pasado alguna vez por la experiencia de grabar un vídeo en el que un grupo de personas hablan a la vez. Al escuchar la grabación nos encontramos con una mezcla incomprensible, pese a que en el momento en el que hicimos el registro no teníamos ningún problema en comprender lo que decía cada uno, e incluso, seguir más de una conversación a la vez.

Esta capacidad de diferenciar o discriminar un estímulo entre todos los que recibimos y concentrarnos en él, es lo que conocemos con el nombre de atención, y tienen una base psicológica y una física.

El sonido se programa por el aire a una velocidad media de 340 m/s (varía con la temperatura). Ello significa que los sonidos llegan al oído con tiempo suficiente para poder ser diferenciados y analizados. Pudiendo llegar con una diferencia de 0 y 50 milisegundos.

La intensidad del sonido también varía con la distancia y la sombra que el cráneo produce, amortiguando el volumen del sonido en la oreja contraria a la dirección de la fuente sonora. Ambos factores, diferentes momentos de llegada y diferentes intensidades son distinguibles por el oído y permiten ubicar la dirección y la distancia de las diversas fuentes de sonido, y dirigir la atención voluntaria a una u otra fuente.

En el caso de las conversaciones, la diferencia de timbre entre las voces facilita esa discriminación.

Volviendo al tema de la grabación de un vídeo. Todos los sonidos pasan a tener una única fuente (el reproductor del móvil), siendo mucho más difícil diferenciar las voces.

Por qué se nos ‘taponan’ los oídos cuando subimos una montaña

En realidad no se taponan. Lo que ocurre es a medida que subimos de altura, disminuye la presión y por tanto se produce una diferencia de presiones entre el exterior y el interior del cuerpo. Para igualar esa presión, basta con bostezar, abrir la boca… para que la Trompa de Eustaquio (conducto que une el oído medio con la cavidad nasal) realice su función de equilibrar las presiones a ambos lados del tímpano. Si esas presiones no están equilibradas, el tímpano no puede transmitir las ondas sonoras de manera eficiente. Además, esa trompa tiene otra función, ventilar adecuadamente el oído medio.

Cuando te sumerges en una piscina ocurre lo contrario, la presión sobre el tímpano aumenta. En este caso, no bosteces.

Si meto un lápiz en el oído, ¿me quedo sordo?

Esa torpeza te va a salir muy cara. Lo primero que te pasará es que te harás mucho daño y lesionarás el tímpano. Recuerda que el tímpano es una membrana muy fina y delicada (9 a 10mm de diámetro), que se rompe con facilidad. Si eso ocurriera, puede que se arregle sola con el tiempo o que haya que intervenir. En todo caso, piensa que es como una tela, una vez rota ya no está nueva y perderá elasticidad y propiedades.

¿Por qué las personas mayores pierden capacidad auditiva?

Simplemente porque con el paso del tiempo el tímpano se endurece, pierde elasticidad y capacidad para vibrar. Ocurre lo mismo con el parche de un tambor, solo que en este caso no se puede comprar un tímpano nuevo. Lo que sí se puede hacer es sustituirlo en cierto modo por un audífono.

Si quieres perder audición antes de envejecer, basta con que sigas escuchando música con los auriculares, a más volumen del necesario. O, trabajando en lugares ruidosos, que no te protejas con auriculares especiales.

¿Se puede escuchar si tienes el oído ‘dañado’?

Depende del daño. Actualmente se pueden sustituir los huesecillos del oído medio. Y hacer implantes cocleares para compensar daños en el oído interno.

Cómo podemos cuidar nuestro oído

Utilizando el sentido común:

• Limpieza adecuada. No se trata de meter palitos para quitar la cera, sino de limpiar con agua y jabón siempre que nos lavemos la cabeza.
• Revisión médica. Si hay cualquier indicio de problema de audición o si un resfriado afecta al oído.
• Volumen de música y películas adecuado. El tímpano sufre desgaste con el mal uso y el tiempo. Es muy importante cuidarlo.
• No introducir objetos. Es asombrosa la cantidad de daños que se producen por esta razón.

¿Quieres saber más?

‘El cuerpo humano’, de Bill Bryson, es un libro magnífico. Consulta ‘La cabeza’ en la pag. 68 del documento enlazado.

Funcionamiento del aparato fonador

El aparato fonador es el conjunto de órganos o partes del cuerpo que intervienen en la producción de la voz. Si pones una mano en la parte superior de tu cabeza y otra en el abdomen, entre ambas se encuentran muchos de los elementos que definen tu voz. Es decir, las cuerdas vocales son importantes, pero no suficientes para hacer que tu voz suene tal cual la escuchan las personas que te rodean.

Para que se produzca el proceso completo de fonación, necesitamos TRES acciones:

I.- Respiración

La inspiración se puede hacer a través de la nariz o de la boca. Si inspiramos por la nariz, el aire entrará filtrado y caliente (gracias a los vasos sanguíneos que se encuentran en su interior). Después, pasará a la faringe: un espacio compartido tanto por el aire como por la comida. Si lo que llega a la faringe es comida, seguirá su camino por el esófago. Como se trata de aire, continuará por la laringe.

La laringe es una estructura de cartílago que se encuentra en nuestro cuello (y que podemos percibir si nos lo tocamos), que tiene una «puerta» a su entrada que impide que entre comida en su interior. Esa puerta es la epiglotis, cuyo correcto funcionamiento es esencial para que no nos atragantemos. Si por alguna razón no tapona la entrada de la laringe a tiempo y se introduce comida en su interior, se accionará inmediatamente un mecanismo que, a través de la tos, nos ayudará a expulsar al intruso.

Cuando el aire llega a la laringe, pasa a través de las cuerdas vocales: dos pliegues musculares (de 1,5 a 2,5 cm) que se encuentran en posición horizontal y que se abren para el paso del aire. Como nosotros hablamos cuando expulsamos el aire, en este momento de la inspiración las cuerdas no realizan ninguna función.

El aire sigue su camino por la tráquea hasta los pulmones, donde dejan parte del oxígeno, que posteriormente pasará a la sangre. Si queremos hacer una respiración profunda (como la que haría un cantante, o alguien que quiere coger un objeto en el fondo de una piscina…), tenemos que utilizar el diafragma: un músculo situado debajo de los pulmones y que podemos hacer descender para que aquellos tengan más espacio para llenarse de aire. Si además del diafragma tiramos de los músculos abdominales hacia fuera, nuestra respiración será muy efectiva para esas tareas que mencionábamos antes.

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II.- Emisión de sonido

En el momento de la espiración, el diafragma asciende, el aire sale de los pulmones, pasa por la tráquea y, al llegar a la laringe, puede encontrarse las cuerdas vocales de dos formas: o relajadas y abiertas, o tensas y próximas. Cuando hablamos, las cuerdas vocales deben estar cerca, vibrando gracias al aire expulsado. Si queremos hablar más fuerte, necesitaremos más aire. La tensión de las cuerdas hará que nuestra voz sea más aguda (más tensas, más finas) o más grave.

Aunque te parezca increíble, el sonido que hacemos en la laringe es casi un ruido: tosco y sin interés. Para que suene tan amable como nuestra voz, necesitamos los resonadores y amplificadores.

III.- Amplificación y articulación del sonido

Las cuerdas vocales emiten sonidos roncos y poco agradables, y no tienen grandes diferencias entre las de unos y otros. ¿Qué hace que cada voz sea tan característica? Nuestro cuerpo.

El sonido producido en la laringe, se «cuela» por todos los espacios que puede: la caja de resonancia que es nuestro tórax, la boca, faringe, nariz, los espacios entre los huesos del cráneo… Al moverse por esos espacios, se «enriquece» y suena de esa forma tan peculiar.

¿Necesitas un ejemplo? Si te asomas a una cueva y gritas, tu voz suena de una forma muy diferente a si gritas en tu habitación ¿a que sí? Lo mismo ocurre dentro del cuerpo.

Una vez que el sonido ha sido amplificado, si queremos construir palabras necesitamos 5 partes de nuestra boca: labios, dientes, paladar, lengua y mandíbula.

¿Por qué hay voces graves y agudas?

Durante la pubertad (entre 12 y 15 años), se producen numerosos cambios hormonales que provocan cambios físicos: crecimiento de musculatura, aparición del vello, crecimiento de la laringe, alargamiento y engrosamiento de las cuerdas vocales… Tanto a chicos como a chicas les cambia la voz para hacerse más grave, pero este cambio es mucho más evidente en los varones. Es lo que se llama la muda de la voz.

El periodo en el que se produce el cambio puede ser más o menos prolongado, pudiendo abarcar de unos cuantos días hasta algunos meses. En ocasiones es un periodo difícil ya que el adolescente puede encontrarse con dos tipos de problemas:

• Dificultades a la hora de encontrar la nota deseada al cantar.
• Cambio involuntario de registro al hablar, debido a la falta de estabilización de la laringe (por lo que a veces salen los «gallitos»).

Aunque las voces graves o agudas dependen en parte de la longitud y grosor de las cuerdas, recuerda que lo que oímos no es resultado solo de sus características, sino que hay que sumar el efecto que produce tener una caja de resonancia determinada.

Para observar con más detalle cómo intervienen las distintas partes del cuerpo, puedes ver el vídeo completo de Tyley Ross y fijarte en el movimiento de todo lo que «no se puede ver», o los otros vídeos que tienes a continuación.

¿Qué podemos hacer para cuidar la voz?

En la medida en que para que podamos hablar necesitamos poner en funcionamiento varias partes del cuerpo, lo que tenemos que hacer es cuidar cada una de ellas. Algunos consejos que no van más allá del sentido común son:

• Beber suficiente agua, para mantener hidratada la zona de la faringe.
• Mantener la zona caliente.
• No fumar. El humo y los productos químicos que le acompañan, destrozan todo el camino desde la nariz hasta los pulmones.
• No gritar en exceso.
• Si vamos a cantar, preparar la voz.
• Hablar cogiendo suficiente aire y con el cuello relajado.
• Ser conscientes de lo que podemos hacer con la voz y no forzarla (como no lo haríamos queriendo correr a más velocidad de lo que somos capaces).

Si percibimos que nuestra voz se vuelve ronca con frecuencia, tenemos que ir al médico. Hay jóvenes que no han aprendido a usarla correctamente y necesitan que les enseñen a respirar o relajar los músculos del cuello para hablar mejor. ¿Qué ocurre si usas la voz mal durante mucho tiempo? Pueden dañarse las cuerdas vocales. La forma más común es que salgan unos bultos llamados nódulos, que no permiten que funcionen correctamente.

Clasificación de las voces

En música clásica es habitual clasificar las voces, dependiendo de si son:

• Hombres, mujeres.
• Agudas, graves.
• Color de la voz.

La razón de hacer esta clasificación es determinar qué tipo de repertorio son capaces de hacer mejor. De hecho, los cantantes se suelen especializar en una época determinada de la historia de la música, ya que la forma de cantar en esa época es la que mejor les encaja para su voz.

Voces de mujeres

Habitualmente se habla de:

• Soprano: más aguda.
• Mezzosoprano: voz media (la que tienen la mayoría de las mujeres).
• Contralto: no sólo es grave, sino que tiene un «color» determinado.

Voces de hombre

Las voces más frecuentes son:

• Contratenor: tan aguda que parece la voz de una mujer.
• Tenor: aguda.
• Barítono: voz media (la más habitual).
• Bajo: voz muy grave.

No olvidemos que hay otras voces increíbles que también podemos escuchar desde los escenarios de la música popular urbana. Como la de Freddy Mercury. Aquí tienes obras maestras de este músico, en las que podemos escuchar las partes vocales (ponte los auriculares para apreciar los matices).

Agrupaciones vocales

A lo largo de la historia, los compositores han creado música para un variado número de agrupaciones vocales que podemos clasificar en dos categorías:

• Agrupaciones de cámara: sólo hay un intérprete por cada una de las partes armónicas de la composición. Así tenemos: dúos, tríos, cuartetos, coros e cámara, etc.
• Masas corales: en ellas cada una de las partes armónicas de que consta una composición es interpretada por varios cantantes. En consecuencia, constan de un gran número de integrantes.
  • Coro mixto: hombres y mujeres.
  • Coro de voces blancas: mujeres.
  • Coro de voces graves: hombres.
  • Escolanía: niños.

La clasificación anterior pertenece a la música clásica, por lo que te dejo algunos ejemplos increíbles de lo que se puede hacer fuera de ella (música popular urbana, cine…).

¿Quieres saber más?

‘Catástrofe Ultravioleta’. Pódcast de divulgación científica: Voz 1, Voz 2.

TARJETAS MUSICALES: trabajo de conceptos y mímica.

Si bien sabemos que los diferentes periodos musicales no son espacios totalmente separados, siendo los cambios graduales, en el siglo XlX es aún más difícil encasillar música y autores en los dos últimos estilos comentados, ya que muchos de ellos poseían obras que podían atribuirse al Romanticismo, al Nacionalismo y a nuevas corrientes que anunciaban el cambio de siglo.

A continuación veremos obras que os van a resultar muy conocidas. De nuevo, no se trata de contar todo lo que hay en el panorama musical, sino llamar la atención sobre lo especial y común que tienen algunas piezas musicales, que forman parte de la banda sonora de nuestra vida.

Colores y aires folklóricos

España

Manuel de Falla (1876-1946), Isaac Albéniz (1860-1909) y Enrique Granados (1867-1916) son los compositores españoles más internacionales de esta época. Todos ellos utilizan la música popular española como inspiración para sus composiciones. Son muchas las obras que habría que destacar de estos compositores, pero nos quedaremos con la Suite para piano ‘Iberia‘ y ‘Asturias’ de la ‘Suite Española’, ambas piezas de Isaac Albéniz. Respecto a Manuel de Falla: ‘Noches en los jardines de España‘ (piano y orquesta); ‘El Amor Brujo‘ (ballet) y ‘El Retablo de Maese Pedro‘ (breve obra escénica).

En el caso de Enrique Granados: 12 “danzas españolas” para piano, “Goyescas”, inspirada en el Madrid castizo de Goya y con despliegues virtuosísticos.

Además de escenificar en clase la vida de estos dos compositores, os invito a completar la información con la visualización y escucha de los vídeos siguientes.

Rusia

Hasta el siglo XIX la música profana que se podía escuchar en Rusia era protagonizada por compositores provenientes de Italia, Francia y Alemania. Eso cambió con la llegada de P. Tchaikovsky, del que hablamos en otro bloque. Y con la creatividad y fuerza musical del llamado ‘Grupo de los Cinco‘: Mily Balakirev, Alexander Borodin, César Cui, Modest Mussorgsky y Nicolás Rimsky-Korsakov, cuyas vidas discurrieron entre 1833 y 1918.

De todos ellos, elegiremos tres obras que conoces y de las que hablaremos con detalle en el aula.

Austria

Por ser tan conocidas, me interesa que ubiques en el espacio y en el tiempo dos obras de compositores pertenecientes a una misma familia. Marcha Radetzsky, de Johann Strauss padre. Compuesta para el general Joseph Radetzsky fon Radetz, J. Strauss toma su inspiración de una canción tradicional austríaca que los soldados traen del frente, transformándola en una marcha orquestal que refleje magnificencia y orgullo por su origen.

‘Al lado del bello Danubio Azul’, de Johann Strauss hijo, esta obra es un símbolo de ciudad de Viena. Cada 1 de enero, desde Viena y por la Filarmónica de esta ciudad, se interpreta y retransmite a todo el mundo el Concierto de Año Nuevo, con estas dos piezas entre los aclamados bises.

Nacionalismo en el siglo XX

Estados Unidos

América del norte conoce el nacimiento en el siglo XX de una escuela nacional influenciada por la oleada de grandes maestros europeos que viajaron hasta allí huyendo de los totalitarismos. Su primera labor fue la de asimilar las técnicas europeas y conectarlas con la realidad cultural autóctona, tanto la del jazz de los negros como la protestante de los blancos.

En el norte se desarrolló un tipo de música con influencias del jazz y del sinfonismo europeo. Su representante más significativo fue George Gershwin (1898-1937). Entre sus obras más significativas podemos citar: ‘Rhapsody in blue‘ para piano, ‘Un americano en París’ y ‘Porgy and Bess’, primera ópera con personajes de color y temática esencialmente jazzística. Otro compositor importante es Aaron Copland (1901-1992), cuya ‘Fanfarria para un hombre corriente’ es la sintonía con la que comienza y termina cada clase en nuestro centro educativo.

Rusia

Igor Stravinsky (1882-1971) en una etapa de su vida musical, fue una de las figuras estelares del Nacionalismo Ruso. En su etapa anterior a la guerra, muestra un estilo muy influido por la tradición folklórica soviética componiendo tres ballets que son obras culminantes de la producción musical occidental del siglo XX:

• ‘El Pájaro de Fuego’: ballet inspirado en una leyenda popular rusa, diseñado y coreografiado por Fokine.
• ‘Petrouchka’
• ‘La Consagración de la Primavera’: la variedad de ritmos, el abandono de la forma tradicional y la forma de usar la orquesta, hacen de esta pieza una obra maestra.

Aplicaciones didácticas

Seguiremos con la idea de que el alumno tiene que implicarse lo más posible en el aprendizaje. De modo que:

• Cada autor será presentado mediante una pequeña escenificación improvisada. Se atribuyen personajes a diferentes alumnos y, mientras la profesora lee un texto, ellos representan e improvisan lo que van escuchando. Esta forma de introducir un tema está creando muy buen ambiente y sensaciones entre los alumnos.
• Los vídeos con aspectos biográficos de los músicos son sugerencias para completar, en casa, lo que hemos visto en el aula.
• Las audiciones buscan impresionar con el oído y ayudar, utilizando la vista, en aquellas donde hay musicogramas.
• Se buscarán obras conocidas por los alumnos, para que se den cuenta de que la ‘Música Clásica’ está más presente y admitida en nuestras vidas de lo que imaginan.
• Finalmente, jugaremos al ‘Times’Up’ utilizando TARJETAS musicales con los conceptos vistos en esta entrada.

Esto no pretende ser una guía completa, sino una invitación a escuchar, ver y disfrutar. Para ello, además de vídeos muy cortos que nos hablen de la trayectoria vital de los músicos (en los que seréis vosotros los que extraigáis lo más llamativo de sus vidas), os invitaré a escuchar y ver música a través de los vídeos del canal Kassia y de las propuestas visuales de Stephen Malinowski (Music Animation Machine).

Robert Schumann

Compositor alemán que vivió entre 1804 y 1856. Reflejó en la música su modo de percibir la vida, ya que la mayor parte de la música que compuso está dedicada a las personas a las que más quiso, especialmente a Clara. Escribía a gran velocidad y trabajó en una variedad de géneros: obras para piano, canciones (poesía y música), sinfonías, música de cámara.

Para entender la vida y obra de Robert Schumann, es necesario acercarse a algunas personas que llenaron su vida de experiencias, música y pasión.

Robert y Clara Shumann

Johannes Brahms

Felix Mendelssohn

Clara Schumann

Clara Wieck sobrevivió 40 años a su marido (nació y murió en Alemania entre 1819 y 1896). Fue una extraordinaria pianista y profesora de piano, destacando también en el terreno de la composición. A pesar de las limitaciones que supuso el matrimonio para el desarrollo de su carrera musical (8 hijos y la prohibición de seguir realizando giras), después de la muerte de Robert aprovechó todas las ocasiones posibles para continuar con los conciertos, dar clases y componer.

Fue una mujer extraordinaria, superando multitud de dificultades. Te invito a que la conozcas un poco mejor.

Frédérick Chopin

Frédéric Chopin, compositor y virtuoso pianista polaco, nació en Polonia en 1810, muriendo en París en 1849. Aunque te sorprenda, has escuchado y disfrutado en numerosas ocasiones la música de este compositor. A través de los siguientes vídeos, entenderemos en qué se inspira, qué busca y cuál es el color tan característico de su música.

Aunque está en inglés, es muy interesante e instructivo el análisis que se hace en este video sobre el Nocturno Op.2, nº 2. Y, no dejes de escuchar el Preludio en mi m, donde Chopin nos invita a hacer un viaje inolvidable.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky

Compositor ruso (1840-1893) autor de sinfonías, ballets, más de 100 piezas para piano, 11 óperas, suites… autor de algunas de las melodías más recordadas por el público general, pese a que gran parte de su vida estuvo dominada por la melancolía y abatimiento. Fue uno de los primeros compositores rusos en ser conocidos internacionalmente con obras como: los ballets ‘El lago de los cisnes’, ‘La bella durmiente’ y ‘El cascanueces’; la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta y la ópera ‘Eugenio Oneguin’ o ‘La dama de picas’.

De la colaboración entre el músico y el coreógrafo Marius Petipa, resultan estos famosos tres ballets.

Frédérick Chopin

Fotografía 1888

Aplicaciones didácticas

La forma que tendremos de trabajar estos contenidos en el aula será la siguiente:

• Os explicaré en clase los aspectos más relevantes de la vida y obra de cada uno de los compositores. Esa explicación en algunos casos será tradicional (os hablo de ello, utilizando imágenes y música como apoyo). Y en otras será teatralizada: yo leo un texto que hable de nuestros protagonistas, mientras algunos de vosotros escenificáis lo que estamos escuchando.
• No dedicaremos en el aula más de tres clases por autor y durante ellas tendréis la opción de tomar notas: ideas rápidas y significativas.
• En clase escucharemos audiciones, resaltando siempre el uso de los materiales sonoros (melodía, ritmo, armonía), colores, texturas, conexiones con el autor o con el entorno. Estas audiciones tendrán un componente visual muy atractivo, a partir de las propuestas de Kassia y Music Animation Machine.
• Al final de cada autor, tenéis que dejar una reseña en vuestro SITES o portafolio digital, con anotaciones sobre: vida y aspectos musicales que os han llamado la atención (de acuerdo con las notas que tomasteis en clase o con la visualización de los vídeos contenidos en esta web).
• Como repaso de lo visto, jugaremos al Time’s Up, utilizando los conceptos que aparecen adjuntos en el enlace: TARJETAS ideas musicales.

Fuentes de información

Análisis musicales de Jaime Altozano y Luis Ángel de Benito, a través de Musihacks.

‘Historia de la Música Occidental, 2’. Grout&Palisca, Alianza Música, Madrid, 1984.

‘Por qué Beethoven tiró el estofado’, ‘Por qué a Händel se le movía tanto la peluca’. Steven Isserlis. Antonio Machado Libros, Madrid, 2019.

‘Digital Melómano’. Revista digital.

Vidas secretas de grandes compositores. Elisabeth Lunday, Editorial Océano, Madrid, 2012.

Fuentes

No tenemos documentos que puedan transmitir cómo era la música interpretada por los hombres de la Prehistoria (primeros homínidos – finales del IV milenio a.C.). Por ello, es necesario acudir a otras fuentes de información:

• Estudio de la tradición folklórica de civilizaciones que se han conservado aisladas, en estado primitivo.
• Análisis de restos arqueológicos, como piedras, huesos.
• Interpretación de representaciones rupestres que aluden a danzas o expresiones musicales (como la de la Cueva de El Cogul, Lérida).

Funciones

En muchos pueblos se ha podido comprobar que:

• La música se encuentra relacionada con acontecimientos importantes para la colectividad (inauguraciones de campamentos, ritos de paso, reuniones, funerales).
• Se utiliza para transmitir valores y conocimientos, dando cohesión al grupo.
• Acompaña ceremonias donde, a través de la magia y la religión, se intenta invocar a poderes superiores que les ayuden a entender lo que sucede a su alrededor (enfermedades, sequía, malas cosechas, epidemias).

Características de la música

Elementos comunes a manifestaciones musicales primitivas son la frecuente improvisación, el uso de polirritmias o el que la música esté en constante evolución.

Respecto a los instrumentos musicales: son artesanales y usados con fines mágicos. Entre ellos, se pueden encontrar desde piedras para ser golpeadas hasta huesos que sonarían como flautas.

Música en la Edad Antigua: Grecia

Durante este periodo (finales IV milenio a.C. – caída del Imperio Romano) aparecen culturas importantes como son las de Egipto, Mesopotamia, Israel, Grecia y Roma, siendo estas dos últimas esenciales en la formación de la música medieval.

La música en la Antigua Grecia tiene un importante papel tanto en la educación, como en la cultura y desarrollo de la sociedad. Presente en todo tipo de celebraciones, se le otorga un origen divino, al relacionar con los dioses la creación de los instrumentos musicales y la inspiración para los artistas.

La música y los músicos ocupan una posición muy importante en la vida social griega:

• La música es esencial en la educación de los ciudadanos, hasta tal punto que se considera que puede llevar el alma hacia la perfección (Apolo-cuerda), o puede inquietar, alterar y excitar el estado de ánimo (Dionisos-viento). En algunas ciudades la práctica del canto coral y la ejecución instrumentos constituían un deber ineludible entre la juventud, un distintivo de nobleza (se prohibía su práctica a los esclavos).

• Forma parte integrante del ceremonial religioso: en torno al culto de los ya mencionados Apolo y Dionisos se organizarán verdaderos festivales de música y danza.

• Los griegos usaban la música con fines terapéuticos, para modificar el estado de ánimo e incluso la salud del oyente. Precursora de la actual Musicoterapia.

A pesar de tener numerosas referencias literarias de la época sobre notas, escalas, efectos e instrumentos utilizados, y de que la mayoría de la poesía lírica (750 a 350 a.C.) se componía como música cantada, es muy difícil hacerse una idea del sentido y sonido de la música en Grecia.

Lo que sí se ha podido deducir del estudio de unos 60 fragmentos de música en papiro o en piedra, es que la música estaba íntimamente ligada a la poesía y a la palabra, como una consecución de sílabas largas y cortas.

• La música griega era monofónica y en ella se repetía constantemente una misma estrofa, dando más importancia al ritmo que a la melodía.
• La práctica musical se basaba en la memoria y en la improvisación. El sistema de escritura musical está poco desarrollado y es de tipo alfabético: las alturas musicales se representan mediante las letras del alfabeto. Signos adicionales pueden indicar duraciones y acentos. Existen muchas dudas a propósito de cómo interpretar esta grafía, no sabemos con seguridad cómo debía de sonar. Se conservan unos 40 fragmentos escritos con este tipo de notación.
• Los instrumentos más utilizados son: la flauta doble (aulos), lira, siringa y cítara. Cada uno de ellos tiene una leyenda que acompaña a su creación.

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Archivos

Es apasionante todo lo que rodea a la invención y evolución de los instrumentos musicales, objetos que están íntimamente ligados a la vida del hombre. De ellos hablaremos desde otro punto de vista con la lectura del libro El Violín del Diablo, de Joseph Gelinek, en cuya presentación se encuentran enlazados recursos muy interesantes. ¡Échale un vistazo!

Los instrumentos musicales son aquellos objetos que se utilizan para producir sonidos musicales. La clasificación más frecuente se basa en el elemento material que al vibrar produce el sonido (cuerdas, membranas, aire, etc.).

Según este criterio, se clasifican en cinco grupos:

1. Cordófonos: instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de una o varias cuerdas tensas. Ejemplos: piano, la guitarra, el violín, etc.
2. Aerófonos: instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de uno varios tubos sonoros. Ejemplos: flauta, la trompeta, órgano.
3. Membranófonos: instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de una o varias membranas tensas. Ejemplos: bombo, caja, tambor, etc.
4. Idiófonos: (el griego: ΐδιος-, propio, y -φωνή, sonido) Instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de su propio cuerpo. Ejemplos: triángulo, castañuelas, claves, etc.
5. Electrófonos: instrumentos musicales en los que el sonido es producido y/o amplificado por medios electrónicos. Ejemplo: sintetizador, theremin.

Cordófonos

Cuerda frotada

Instrumentos musicales que se caracterizan por constar de un pequeño número de cuerdas, pudiendo cada una de ellas emitir varias notas musicales. Si pensamos en una orquesta sinfónica, esta categoría se compone de cuatro instrumentos, que suenan cuando frotamos las cuerdas con el ARCO. Estamos hablando de: violín, viola, violonchelo, contrabajo. Además, veremos el popular rabel.

Algunas características comunes son:

• Todos los instrumentos de esta familia están construidos por un conjunto de piezas de madera (hasta 70 en el violín).
• En un principio las cuerdas se hacían con intestinos de gato. En la actualidad, con material sintético. Las cuerdas más graves están entorchadas, es decir, rodeadas de un hilo metálico. La cuerda más aguda del violín (cuerda prima) está hecha de hilo metálico sencillo.
• El arco está formado por una vara y cientos de crines, que hay que untar de una sustancia resinosa para aumentar la capacidad de fricción.
• Para obtener distintas notas musicales, el intérprete presiona la cuerda de la que quiere obtener sonido contra el diapasón del instrumento. De esta manera consigue modificar la longitud de la cuerda que vibra y con ello la altura del sonido emitido.

Violín

Instrumento de cuerda frotada que consta de 4 cuerdas, mide 59 cm y es el más pequeño dentro de su familia, en la Orquesta Sinfónica.

Familias relevantes de constructores de instrumentos musicales de cuerda (luthiers) fueron: Amati, Guarnieri y Stradivari. Todos ellos vivieron en Italia durante los siglos XVI y XVII.

Antonio Stradivarius ha pasado a la historia por construir unos violines cuya sonoridad no se ha logrado repetir. Aún no se sabe si su sonido tan singular se debe a las características de la madera que empleó, en condiciones de temperatura y humedad muy específicas, al barniz… Actualmente, estos instrumentos son tan valiosos que suelen estar en manos de fundaciones, que los ceden a músicos extraordinarios, para que realicen con ellos sus conciertos.

Si tienes curiosidad, no solo por saber cómo suena el violín, sino por conocer cómo se escribe la música que interpreta, te animo a escuchar esta interpretación de David Garret.

Además de estos vídeos, veremos y escucharemos a un extraordinario violinista, capaz de hacer que su violín exprese cualquier sentimiento humano: Ara Malikian.

Viola

Instrumento musical de cuerda frotada más grande que el violín (unos 65 cm), por lo que suena en un registro más grave.

Violonchelo

Instrumento de cuerda frotada de una longitud de 130 cm. Sus cuerdas se afinan como la viola, pero una octava más grave. Tiene una sonoridad poderosa y cálida que recuerda a la voz humana. El instrumentista, habitualmente toca sentado con el cuerpo del instrumento descansando sobre la pica metálica.

Contrabajo

El más grande de su familia, mide 190 cm desde la voluta hasta la pica. Se puede tocar de pie o sentado en una silla alta. Cuando se pulsan las cuerdas de este instrumento, producen un sonido profundo y resonante. Técnica de interpretación muy utilizada en el Jazz.

Rabel

Instrumento de cuerda frotada, similar al violín, con un número variable de cuerdas, encuentra su origen en Asia, alrededor del siglo X.

En España, aparece el rabel en ilustraciones, grabados y escritos a partir de la Edad Media (siglos XII- XIII), siendo uno de los principales documentos Las Cantigas de Alfonso X El Sabio.

Aunque todos los rabeles tienen características comunes, al ser instrumentos de factura popular, se construyen con materiales y formas muy diferentes, de acuerdo al entorno de cada cultura que les da origen. El sonido de este instrumento es profundo, lleno de matices y colores.

El Rey David y los Músicos. Catedral de Jaca

Los Ancianos del Apocalipsis. Sto. Domingo. Soria

El rabel en Cantabria

Zanfonia

Fascinante instrumento de cuerda frotada con rueda, con un número variable de cuerdas vibrantes, otras que suenan «por simpatía», manivela… con un sonido poderoso y único.

En sus orígenes se relaciona alrededor del siglo X con el Organistrum y, posteriormente, con la viola medieval, a la que se le habría añadido un teclado y una rueda.

Cuerda pulsada

Guitarra

Instrumento musical que produce sonido mediante la vibración de cuerdas, puestas en movimiento gracias a la acción de los dedos o la púa. Consta de seis cuerdas, fabricadas en nylon, algunas de ellas entorchadas con metal. Partes principales:

• Clavijero: las clavijas permiten modificar la tensión y afinar las cuerdas.
• Mástil: dividido por los trastes en 19 espacios (semitonos). Gracias a ello, el músico puede localizar fácilmente las diferentes notas musicales.
• Cuerpo o caja: la tapa armónica es fundamental para transmitir, a través del puente, las vibraciones de las cuerdas al interior de la caja de resonancia.

La guitarra más común es la clásica, existiendo además de otros tipos: flamenca (otro tipo de madera), acústica (cuerdas metálicas, más ancha), eléctrica (no tiene caja de resonancia), etc.

Otros instrumentos de cuerda pulsada son: laúd, mandolina, banjo, bandurria, balalaika etc.

Arpa

Instrumento de cuerda pulsada con los dedos, que carece de mástil y cuenta con un gran número de cuerdas. Cada una de ellas produce una sola nota musical (o varias, en el caso del arpa moderna).

El arpa reposa sobre el hombro derecho del arpista, sentado y con las manos a ambos lados de las cuerdas, para pulsarlas o apagar su sonido.

El arpa consta de varias partes:

• El cuerpo: compuesto de una caja de resonancia y una tabla armónica sobre la que se extienden las cuerdas. Posee entre 45 y 48 cuerdas, antes fabricadas de intestinos de animales. Las más graves están entorchadas con hilo de acero. Algunas están coloreadas de rojo o azul para facilitar la localización de ciertas notas.
• La columna: permite que el arpa soporte la tensión de las cuerdas (unos 2000 kilos). En su interior se encuentran unas espigas de acero cuya función es controlar el mecanismo del arpa.
• La consola o curva armónica: con las clavijas de afinación de las cuerdas.
• Los pedales: tiene siete pedales (uno por cada grado de la escala). Los pedales pueden modificar la altura de las notas en uno o dos semitonos ya que cada pedal puede adoptar dos posiciones distintas.

Además del arpa que vemos en una Orquesta Sinfónica, es muy común en determinada música popular, ver el arpa celta.

Clave, espineta y virginal

El clave, clavecín o clavicembalo es un instrumento de cuerda pulsada con teclado, con forma de pequeño piano de cola. En algunos se pueden colocar dos teclados, cada uno de ellos asociado a un juego particular de cuerdas, con el objetivo de conseguir distintos matices dinámicos y tímbricos. Fue un instrumento muy importante durante el periodo barroco (1600-1750).

Muy parecido al clavecín son la espineta y el virginal, casi portátiles por su tamaño, donde a cada sonido de una tecla le corresponde una cuerda. En todos ellos, la disposición de las cuerdas respecto al teclado es diferente.

Cuerda percutida

Piano

Instrumento de cuerda percutida, con teclado. Se pueden ver dos tipos de piano: verticales (para espacios pequeños, muy utilizados para el estudio) y el piano de cola (cuerdas colocadas horizontalmente).

El piano consta de varias partes:

• Teclado: el piano de cola tiene 88 teclas; el piano vertical 85. Las teclas blancas representan los sonidos naturales. Las teclas negras representan los sonidos alterados.
• Mecanismo: al pulsar una tecla se pone en marcha un mecanismo que produce dos efectos: por un lado, un macillo forrado de fieltro golpea la cuerda y vuelve a su posición original para dejar que la cuerda vibre libremente mientras la tecla está pulsada. Por otro lado, levanta un elemento llamado silenciador que está en contacto con la cuerda cuando su correspondiente tecla no ha sido pulsada. Cuando la tecla deja de estar pulsada, el silenciador cae sobre su cuerda y extingue su vibración.
• Las cuerdas: su longitud varía entre 10 cm y 2 m para los pianos de concierto. Son más gruesas y largas en el registro grave. Las cuerdas están sujetas a un cuadro bastidor metálico por unas clavijas de acero que permiten regular su tensión y, con ello, su afinación. Como curiosidad podemos decir que dicho bastidor soporta tensiones de entre 15 y 20 toneladas. Hay muchas más cuerdas que teclas, ya que en el registro agudo el martillo hace sonar tres cuerdas a la vez; en el medio, dos y en el grave, solo una.
• Teclado: el piano de cola tiene 88 teclas; el piano vertical 85. La extensión total es de unas siete octavas y media. Las teclas blancas representan los sonidos naturales. Las teclas negras representan los sonidos alterados.
• Tabla armónica: considerada como un elemento esencial, transmite las vibraciones a la caja de resonancia. De su calidad, depende la del instrumento.
• Pedales: puede tener dos o tres. El de la izquierda hace que el teclado se desplace, por lo que los martillos golpean una cuerda menos en los registros medio y agudo. El de la derecha levanta los silenciadores, por lo que las sonoridades se acumulan. El del centro en los pianos verticales tiene la función de sordina, dejando caer sobre todas las teclas un paño que apaga el sonido.

Por último, antepasados del piano son: el címbalo, en el que el intérprete golpea las cuerdas con dos varillas. Y el clavicordio, que tiene un mecanismo de teclado que golpea las cuerdas al pulsar las teclas. Este instrumento apenas tiene potencia y no permite hacer grandes matices durante la interpretación.

Aerófonos

Si el mundo de los cordófonos nos parecía fascinante, el de los aerófonos no se queda atrás, ya que ambos son el resultado de satisfacer las necesidades artísticas del hombre a lo largo del tiempo, en contextos culturales muy diferentes, siendo la tecnología musical esencial para entender lo que ahora conocemos de ellos.

Los aerófonos son los instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de uno o varios tubos sonoros. Su clasificación atiende al tipo de embocadura que hace vibrar la columna de aire de ese tubo sonoro:

Bisel

El bisel es un borde rígido contra el que se hace chocar el aire para producir el sonido. Cuando el músico sopla y dirige el aire contra el bisel, parte del aire sale al exterior y parte se introduce en el instrumento vibrando en el tubo sonoro. A lo largo del tubo hay varios agujeros, que al tapar (bien directamente con los dedos o indirectamente a través de diversos tipos de llaves) modifican la longitud del tubo sonoro, produciendo diferentes notas musicales.

Instrumentos de bisel: flauta dulce, flauta travesera, flauta de pan, quena o siringa, ocarina, silbatos.

Todas las flautas, aun construidas con metal, se consideran instrumentos de viento madera pues esta clasificación no se hace por el material de construcción, sino por el color del sonido que producen.

En la vida diaria creáis flautas con bisel cuando: endurecéis los labios para silbar (o colocáis los dedos en la boca); entra el aire silbando por una rendija de la ventana (esta haría de bisel); sopláis en el borde de un botellín de refresco; utilizáis la caperuza del bolígrafo Bic como silbato; limáis el hueso del albaricoque hasta dejar un hueco que hace de bisel, etc.

Lengüeta

La lengüeta es una pieza muy fina y móvil, de caña o metal, situada en la embocadura del instrumento. Al soplar el músico, la lengüeta se mueve ligeramente, golpeando el aire y haciendo que este entre en vibración dentro del tubo sonoro.

La lengüeta puede ser simple (clarinete y saxofón), doble (oboe, dulzaina, corno inglés, fagot, contrafagot) y múltiple (armónica, acordeón, melódica, órgano).

En la vida diaria creáis lengüetas cuando: cogemos un trocito de plástico o una hierba del campo, las estiramos bien y las hacemos batir mientras soplamos; cortamos la embocadura de una pajita para sorber, creando dos lengüetas batientes. En este último caso, se obliga al aire a entrar a presión en el tubo, provocando el movimiento de las lengüetas.

Boquilla

La boquilla en los instrumentos de viento permite al músico introducir los labios en ella y batirlos haciendo una especie de «pedorreta». Esto provoca que el aire que entra en el tubo lo haga vibrando. Como hemos visto, para producir sonidos de diferente altura basta con cambiar la longitud del tubo sonoro, mediante un sistema de pistones y válvulas.

Cuanto más corto sea el tubo sonoro, más agudo es el sonido: corneta, trompeta, trompa, trombón, bombardino y tuba (y helicón).

Membranófonos

Los membranófonos son aquellos instrumentos musicales que producen sonido gracias a la vibración de una o varias membranas (o parches). Aunque la mayoría de estos instrumentos producen un sonido indeterminado (pandereta, tambor), hay otros que producen sonidos musicales concretos, como es el caso del timbal.

Existe una enorme variedad de instrumentos dentro de esta clasificación, ya que están muy unidos a la cultura popular. En cada país, región, pueblo es posible encontrar instrumentos de membrana similares, pero con nombres diferentes. Lo importante es que entiendas cómo funcionan y la riqueza que los materiales utilizados aportan a su particular timbre.

Idiófonos

Los idiófonos son los instrumentos musicales que producen sonido por la vibración de su propio cuerpo. Dentro de este grupo distinguimos:

• Sonido determinado: aquellos que producen notas musicales concretas. En esta categoría estarían: xilófono, metalófono, marimba, glockenspiel, vibráfono (todos estos tienen placas); campanas tubulares, etc.
• Sonido indeterminado: los que producen sonidos cuya altura no se puede afinar. En este grupo hay una enorme cantidad de instrumentos fruto de la imaginación, originales y muy ligados a la cultura y vivencias humanas: claves, sonajas, cencerro, cascabeles, platillos, almirez, pitos, castañuelas, botella de anís, carraca, rascadores, cortina, etc.

Electrófonos

Instrumentos musicales que producen sonido gracias a la acción de la electricidad.

Los electrónicos: son aquellos en los que la señal es producida, amplificada y/o transformada en base a procesos basados exclusivamente en la electricidad. Entre estos se encuentran:

• el órgano electrónico: posee una serie de sonidos pregrabados que no pueden manipularse. Tiene uno o dos teclados para las manos y un pedalero, que permite la interpretación de los bajos con los pies.
• el sintetizador: es un instrumento más actual que el anterior. Es una especie de laboratorio sonoro ya que permite generar sonidos y transformar todas sus cualidades. De modo bastante fiel, puede imitar desde un instrumento convencional a cualquier sonido o ruido de la naturaleza o de origen mecánico, así como generar sonidos completamente nuevos, nunca oídos hasta la fecha de su creación.

Los electroacústicos: son aquellos en los que la señal sonora es producida mediante procedimientos convencionales y posteriormente transformada en una señal eléctrica. Son por tanto instrumentos tradicionales eléctricamente amplificados. Entre estos destacamos:

• La guitarra eléctrica y el bajo eléctrico: son instrumentos de cuerda que producen el sonido mediante el ancestral procedimiento de hacer vibrar unas cuerdas tensadas. No tienen caja de resonancia. En su lugar cuentan con unas pastillas (algo parecido a un micrófono) cuya misión consiste en recoger el débil sonido producido por las cuerdas y transformarlo en una señal eléctrica que es enviada a un amplificador. Éste aumenta la potencia de la señal para después ser convertida otra vez en una señal acústica por los altavoces. La interposición de diversos filtros permite además la modificación de las características del sonido.
• Violín eléctrico, batería eléctrica, etc.

Archivos

El sonido es una sensación que produce un objeto al vibrar. Se trata de un proceso complejo en el que cuando un cuerpo vibra, sus partículas se aproximan y separan con un movimiento de vaivén, produciéndose entre ellas cambios de presión (vibraciones).

Esas vibraciones generan ondas sonoras, que necesitan un medio transmisor elástico para desplazarse, ya sea sólido, líquido o gaseoso. Si ese medio no es capaz de experimentar las vibraciones o cambios de presión, entonces las ondas sonoras no pueden viajar. Por eso en el vacío no hay sonido.

Finalmente, cuando las ondas sonoras llegan al medio receptor (nuestro oído), este las transforma en la sensación que percibimos e interpretamos como sonido.

• Experimenta 1. Muelle de colores. Sonido: ondas longitudinales: Si dos personas sujetan un muelle desde ambos lados y una empuja ligeramente, se puede ver cómo los aros se agolpan y se separan lentamente. Las vibraciones son paralelas a la dirección de la onda.

El sonido se mueve en todas las direcciones. Si habláis, ¿os pueden escuchar los que están a vuestra espalda? Sí, con menos intensidad, pero sí.

• Experimenta 2. Pon bolitas de poliespán sobre una superficie tensa, como una pandereta. Produce un sonido a su alrededor y observa lo que ocurre.

• Experimenta 3. El mismo experimento se puede hacer con una bola en la superficie del agua.

Velocidad del sonido. Depende, entre otras cosas, de la densidad de la materia. Cuanto más densa es (en un cuerpo sólido las partículas de ese cuerpo están más cerca unas de otras), más rápidamente se transmite el sonido.

Ejemplos: Aire, a 20º: 340 m/s l Agua, a 25º: 1593 m/s l Aluminio: 6.400 m/s

Cualidades del sonido

Todos los sonidos no son iguales porque en ellos pueden ser distinguidas CUATRO cualidades que se relacionan directamente con ciertas características de la onda que produce el sonido.

Altura

Cualidad del sonido que nos permite distinguir sonidos AGUDOS de GRAVES. Depende del número de vibraciones u oscilaciones por unidad de tiempo. Se mide en hertzios. Más oscilaciones: más agudo. Menos oscilaciones: más grave.

Nosotros escuchamos los sonidos que se encuentran entre 20 Hz (20 vibraciones por segundo –muy grave–) y 20.000 Hz (20.000 vibraciones por segundo –muy agudo–). Los infrasonidos son aquellos sonidos con una frecuencia tan baja (<20 Hz) que nuestro oído no puede apreciarlo. Y ultrasonidos a aquellos que no podemos percibir porque su frecuencia supera los 20.000 Hz, es decir, están por encima de nuestro umbral de audición.

Algunos insectos y mamíferos (delfines y murciélagos) utilizan los ultrasonidos como si fueran un radar para su orientación (ecolocalización). Las ondas emitidas por ellos se reflejan en los objetos que hay alrededor, permitiéndoles crear una imagen del lugar donde se encuentran.

Animales como los elefantes, ballenas y tigres utilizan los infrasonidos para comunicarse. Y desastres naturales como terremotos, tornados y erupciones volcánicas se manifiestan al comienzo con infrasonidos.

En medicina, las ecografías permiten hacer diagnósticos por imágenes con ultrasonido.

• Experimenta 4. Con masa de Maizena encima de un altavoz, se puede observar cómo reacciona con las vibraciones de sonido.
• Experimenta 5. Teléfonos con vasos de yogur e hilo fino. Transmisión vibraciones.
• Experimenta 6. Instala en el móvil una app gratuita para jugar con las frecuencias. Ponte unos buenos auriculares y comprueba los sonidos más graves y agudos que eres capaz de oír. Fíjate al mismo tiempo en el tipo de onda que se genera según cambias la frecuencia.
• Experimenta 7. Si tienes en clase unos Boomwhackers o unos xilófonos, golpéalos y percibe las diferencias de altura. Coge varias copas con líquido en diferentes alturas y comprueba las diferencias de sonido al golpear o deslizar el dedo por el borde superior de las mismas.

La altura de los sonidos se representa en el lenguaje musical utilizando notas musicales.

El diapasón de horquilla es un objeto que produce un sonido (la nota LA de 440 vib/s) y que sirve para afinar instrumentos musicales. Hoy en día, los diapasones más utilizados son digitales y adaptados a cada instrumento.

Intensidad

Es la cualidad que permite diferenciar entre sonidos DÉBILES y FUERTES.

Los sonidos que percibimos deben superar el umbral auditivo (0 dB) y no llegar al umbral de dolor (140 dB). Es necesario utilizar protectores en ambientes con niveles de sonido superiores a 85 dB (si se perciben de forma prolongada). Los daños producidos en el oído por exposiciones a ruidos muy fuertes son acumulativos e irreversibles y pueden producir pérdida de audición, trastornos nerviosos, cardíacos y mentales.

Para controlar la cantidad de sonido en un lugar, se puede utilizar el sonómetro, que es un aparato que permite medir las variaciones de intensidad producidas por uno varios objetos.

• Experimenta 8. Instala en tu móvil la app gratuita (Sound Meter, por ejemplo). Mide la cantidad de sonido que hay a tu alrededor, en diferentes lugares, situaciones y horas del día. Valora los resultados y piensa en qué podríamos hacer para mejorar nuestro entorno.

Duración

Cualidad del sonido que diferencia sonidos LARGOS de CORTOS. Depende de la cantidad de tiempo que ese sonido permanezca. Se mide en unidades de tiempo: segundos, minutos…

En música se utiliza con frecuencia el metrónomo, un aparato que marca el puso de forma constante. Si quieres experimentar con el metrónomo (y con una gran variedad de ritmos), no dejes de consultar este enlace.

Timbre

Cualidad del sonido que nos permite distinguir QUIÉN o QUÉ lo está produciendo. Esta cualidad no tiene una unidad de medida y depende de los materiales o el modo en que esté construido el objeto sonoro. En una partitura, para representar el timbre es necesario indicar qué instrumento debe sonar en cada momento.

Antes de pasar al siguiente concepto, no dejes de jugar un rato con este Osciloscopio virtual. Simulador, con el que puedes introducir variables de frecuencia, intensidad y duración, observando en el momento la curva resultante.

Fenómenos del sonido

Eco

Es el efecto del sonido que se produce cuando una onda sonora choca contra una superficie y se refleja con suficiente energía como para volver a su fuente de origen como un sonido repetido.

Para que se produzca eco se tienen que dar unas condiciones: la superficie contra la que choca la onda debe estar al menos a 17 metros de distancia, y la onda sonora reflejada debe volver en no menos de medio segundo.

Es muy interesante lo que ocurre con el sónar, que se puede ver en algunas películas antiguas de guerra, y que se basa en la reflexión de las ondas sonoras en diferentes objetos.

Reverberación

La reverberación es el efecto de permanecer el sonido en un espacio después de que la fuente haya cesado de emitir.

Puede ser beneficioso y reforzar la sonoridad, o ser nocivo. En lugares como los auditorios se busca que haya un poco de reverberación. Pero en otros, como los gimnasios de los centros educativos, la reverberación es tan alta que puede resultar muy molesta (sonido ahuecado). La sensación que producen las ondas sonoras en uno y otro lugar varía dependiendo de factores como el tamaño de la sala o los materiales de los que esté hecha la misma (que sean más o menos absorbentes).

En nuestra aula de música, las paredes y el techo tienen unos materiales especialmente absorbentes, que evitan que la onda sonora se refleje numerosas veces en su interior. Aunque varias personas estemos hablando, cantando o percutiendo objetos, el sonido es cálido.

Efecto Doppler

Es el cambio de frecuencia del sonido que se aprecia cuando el receptor está quieto y el objeto que produce el sonido en movimiento. Si te paras cuando se acerca una ambulancia con la sirena activa, notarás que cuando se acerca a ti el sonido es agudo y cuando se aleja el sonido se vuelve más grave.

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