El siglo XIX fue testigo de la búsqueda de voces propias en el campo de la música, que bajo el nombre de Nacionalismos, en ocasiones, utilizaban elementos folklóricos para dar a la música un color nacional que podía resultarexótico y atractivo.
Si bien sabemos que los diferentes periodos musicales no son espacios totalmente separados, siendo los cambios graduales, en el siglo XlX es aún más difícil encasillar música y autores en los dos últimos estilos comentados, ya que muchos de ellos poseían obras que podían atribuirse al Romanticismo, al Nacionalismo y a nuevas corrientes que anunciaban el cambio de siglo.
A continuación veremos obras que os van a resultar muy conocidas. De nuevo, no se trata de contar todo lo que hay en el panorama musical, sino llamar la atención sobre lo especial y común que tienen algunas piezas musicales, que forman parte de la banda sonora de nuestra vida.
Colores y aires folklóricos
España
Manuel de Falla (1876-1946), Isaac Albéniz (1860-1909) y Enrique Granados (1867-1916) son los compositores españoles más internacionales de esta época. Todos ellos utilizan la música popular española como inspiración para sus composiciones. Son muchas las obras que habría que destacar de estos compositores, pero nos quedaremos con la Suite para piano ‘Iberia‘ y ‘Asturias’ de la ‘Suite Española’, ambas piezas de Isaac Albéniz. Respecto a Manuel de Falla: ‘Noches en los jardines de España‘ (piano y orquesta); ‘El Amor Brujo‘ (ballet) y ‘El Retablo de Maese Pedro‘ (breve obra escénica).
En el caso de Enrique Granados: 12 “danzas españolas” para piano, “Goyescas”, inspirada en el Madrid castizo de Goya y con despliegues virtuosísticos.
Además de escenificar en clase la vida de estos dos compositores, os invito a completar la información con la visualización y escucha de los vídeos siguientes.
Isaac Albéniz y la Suite Iberia
‘Asturias’ de la Suite Española. I. Albéniz. Paola Hermosín (guitarra)
‘Manuel de Falla y el ballet ‘El Amor Brujo’
‘El Fuego Fatuo’ El Amor Brujo. M. Falla
‘El Amor Brujo’. Víctor Ullate (coreógrafo)
‘Danza del Terror’. Alicia de Larrocha (piano)
Rusia
Hasta el siglo XIX la música profana que se podía escuchar en Rusia era protagonizada por compositores provenientes de Italia, Francia y Alemania. Eso cambió con la llegada de P. Tchaikovsky, del que hablamos en otro bloque. Y con la creatividad y fuerza musical del llamado ‘Grupo de los Cinco‘: Mily Balakirev, Alexander Borodin, César Cui, Modest Mussorgsky y Nicolás Rimsky-Korsakov, cuyas vidas discurrieron entre 1833 y 1918.
De todos ellos, elegiremos tres obras que conoces y de las que hablaremos con detalle en el aula.
Obertura sobre marcha española. Balakirev
‘Cuadros de una exposición’ M. Mussorgsky (piano)
‘El vuelo del moscardón’. Rimsky-Korsakov
Austria
Por ser tan conocidas, me interesa que ubiques en el espacio y en el tiempo dos obras de compositores pertenecientes a una misma familia. Marcha Radetzsky, de Johann Strauss padre. Compuesta para el general Joseph Radetzsky fon Radetz, J. Strauss toma su inspiración de una canción tradicional austríaca que los soldados traen del frente, transformándola en una marcha orquestal que refleje magnificencia y orgullo por su origen.
‘Al lado del bello Danubio Azul’, de Johann Strauss hijo, esta obra es un símbolo de ciudad de Viena. Cada 1 de enero, desde Viena y por la Filarmónica de esta ciudad, se interpreta y retransmite a todo el mundo el Concierto de Año Nuevo, con estas dos piezas entre los aclamados bises.
La dinastía Strauss. Biografía
Marcha Radetzsky’. Percusión corporal
‘Al lado del bello Danubio Azul’ (piano)
Nacionalismo en el siglo XX
Estados Unidos
América del norte conoce el nacimiento en el siglo XX de una escuela nacional influenciada por la oleada de grandes maestros europeos que viajaron hasta allí huyendo de los totalitarismos. Su primera labor fue la de asimilar las técnicas europeas y conectarlas con la realidad cultural autóctona, tanto la del jazz de los negros como la protestante de los blancos.
En el norte se desarrolló un tipo de música con influencias del jazz y del sinfonismo europeo. Su representante más significativo fue George Gershwin (1898-1937). Entre sus obras más significativas podemos citar: ‘Rhapsody in blue‘ para piano, ‘Un americano en París’ y ‘Porgy and Bess’, primera ópera con personajes de color y temática esencialmente jazzística. Otro compositor importante es Aaron Copland (1901-1992), cuya ‘Fanfarria para un hombre corriente’ es la sintonía con la que comienza y termina cada clase en nuestro centro educativo.
G. Gershwin. ‘Rhapsody in Blue’
‘Un americano en París’
‘Summertime’, de ‘Porgy and Bess’
Rusia
Igor Stravinsky(1882-1971) en una etapa de su vida musical, fue una de las figuras estelares del Nacionalismo Ruso. En su etapa anterior a la guerra, muestra un estilo muy influido por la tradición folklórica soviética componiendo tres ballets que son obras culminantes de la producción musical occidental del siglo XX:
‘El Pájaro de Fuego’: ballet inspirado en una leyenda popular rusa, diseñado y coreografiado por Fokine.
‘Petrouchka’
‘La Consagración de la Primavera’: la variedad de ritmos, el abandono de la forma tradicional y la forma de usar la orquesta, hacen de esta pieza una obra maestra.
‘El pájaro de Fuego’
‘Petrouchka’
‘La Consagración de la primavera’
Aplicaciones didácticas
Seguiremos con la idea de que el alumno tiene que implicarse lo más posible en el aprendizaje. De modo que:
Cada autor será presentado mediante una pequeña escenificación improvisada. Se atribuyen personajes a diferentes alumnos y, mientras la profesora lee un texto, ellos representan e improvisan lo que van escuchando. Esta forma de introducir un tema está creando muy buen ambiente y sensaciones entre los alumnos.
Los vídeos con aspectos biográficos de los músicos son sugerencias para completar, en casa, lo que hemos visto en el aula.
Las audiciones buscan impresionar con el oído y ayudar, utilizando la vista, en aquellas donde hay musicogramas.
Se buscarán obras conocidas por los alumnos, para que se den cuenta de que la ‘Música Clásica’ está más presente y admitida en nuestras vidas de lo que imaginan.
Finalmente, jugaremos al ‘Times’Up’ utilizando TARJETAS musicales con los conceptos vistos en esta entrada.
A lo largo de estas líneas y a través de la escucha y visualización de imágenes atractivas, intentaré que descubráis sonoridades interesantes, así como las vidas de quienes les dieron vida a lo largo del periodo musical llamado RomanticismoMusical.
Esto no pretende ser una guía completa, sino una invitación a escuchar, ver y disfrutar. Para ello, además de vídeos muy cortos que nos hablen de la trayectoria vital de los músicos (en los que seréis vosotros los que extraigáis lo más llamativo de sus vidas), os invitaré a escuchar y ver música a través de los vídeos del canal Kassia y de las propuestas visuales de Stephen Malinowski (Music Animation Machine).
Robert Schumann
Compositor alemán que vivió entre 1804 y 1856. Reflejó en la música su modo de percibir la vida, ya que la mayor parte de la música que compuso está dedicada a las personas a las que más quiso, especialmente a Clara. Escribía a gran velocidad y trabajó en una variedad de géneros: obras para piano, canciones (poesía y música), sinfonías, música de cámara.
Robert Schumann & J. Brahms
Quinteto para piano (Scherzo)
Fantasía, Op 73. para violoncello
Para entender la vida y obra de Robert Schumann, es necesario acercarse a algunas personas que llenaron su vida de experiencias, música y pasión.
Robert y Clara Shumann
Johannes Brahms
Felix Mendelssohn
Clara Schumann
Clara Wieck sobrevivió 40 años a su marido (nació y murió en Alemania entre 1819 y 1896). Fue una extraordinaria pianista y profesora de piano, destacando también en el terreno de la composición. A pesar de las limitaciones que supuso el matrimonio para el desarrollo de su carrera musical (8 hijos y la prohibición de seguir realizando giras), después de la muerte de Robert aprovechó todas las ocasiones posibles para continuar con los conciertos, dar clases y componer.
Fue una mujer extraordinaria, superando multitud de dificultades. Te invito a que la conozcas un poco mejor.
Breve biografía (inglés)
El diario de Clara Schumann
Concierto para piano en La m
Frédérick Chopin
Frédéric Chopin, compositor y virtuoso pianistapolaco, nació en Polonia en 1810, muriendo en París en 1849. Aunque te sorprenda, has escuchado y disfrutado en numerosas ocasiones la música de este compositor. A través de los siguientes vídeos, entenderemos en qué se inspira, qué busca y cuál es el color tan característico de su música.
Aunque está en inglés, es muy interesante e instructivo el análisis que se hace en este video sobre el Nocturno Op.2, nº 2. Y, no dejes de escuchar el Preludio en mi m, donde Chopin nos invita a hacer un viaje inolvidable.
Biografía F. Chopin
Nocturno Op. 9, nº 2
Fantasía. Impromptu, Op. 66
Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Compositor ruso (1840-1893) autor de sinfonías, ballets, más de 100 piezas para piano, 11 óperas, suites… autor de algunas de las melodías más recordadas por el público general, pese a que gran parte de su vida estuvo dominada por la melancolía y abatimiento. Fue uno de los primeros compositores rusos en ser conocidos internacionalmente con obras como: los ballets ‘El lago de los cisnes’, ‘La bella durmiente’ y ‘El cascanueces’; la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta y la ópera ‘Eugenio Oneguin’ o ‘La dama de picas’.
Biografía P. T
Ópera Eugene Oneguin. Polonesa
Concierto para piano nº 1 en Sib
De la colaboración entre el músico y el coreógrafo Marius Petipa, resultan estos famosos tres ballets.
El Lago de los Cisnes. Ballet
El Cascanueces. Ballet
La Bella Durmiente. Ballet
Frédérick Chopin
Tchaikovsky estudiante (foto, 1863)
Fotografía 1888
Aplicaciones didácticas
La forma que tendremos de trabajar estos contenidos en el aula será la siguiente:
Os explicaré en clase los aspectos más relevantes de la vida y obra de cada uno de los compositores. Esa explicación en algunos casos será tradicional (os hablo de ello, utilizando imágenes y música como apoyo). Y en otras será teatralizada: yo leo un texto que hable de nuestros protagonistas, mientras algunos de vosotros escenificáis lo que estamos escuchando.
No dedicaremos en el aula más de tres clases por autor y durante ellas tendréis la opción de tomar notas: ideas rápidas y significativas.
En clase escucharemos audiciones, resaltando siempre el uso de los materiales sonoros (melodía, ritmo, armonía), colores, texturas, conexiones con el autor o con el entorno. Estas audiciones tendrán un componente visual muy atractivo, a partir de las propuestas de Kassia y Music Animation Machine.
Al final de cada autor, tenéis que dejar una reseña en vuestro SITES o portafolio digital, con anotaciones sobre: vida y aspectos musicales que os han llamado la atención (de acuerdo con las notas que tomasteis en clase o con la visualización de los vídeos contenidos en esta web).
Como repaso de lo visto, jugaremos al Time’s Up, utilizando los conceptos que aparecen adjuntos en el enlace: TARJETAS ideas musicales.
Fuentes de información
Análisis musicales de Jaime Altozano y Luis Ángel de Benito, a través de Musihacks.
‘Historia de la Música Occidental, 2’. Grout&Palisca, Alianza Música, Madrid, 1984.
‘Por qué Beethoven tiró el estofado’, ‘Por qué a Händel se le movía tanto la peluca’. Steven Isserlis. Antonio Machado Libros, Madrid, 2019.
No tenemos documentos que puedan transmitir cómo era la música interpretada por los hombres de la Prehistoria (primeros homínidos – finales del IV milenio a.C.). Por ello, es necesario acudir a otras fuentes de información:
Estudio de la tradición folklórica de civilizaciones que se han conservado aisladas, en estado primitivo.
Análisis de restos arqueológicos, como piedras, huesos.
Interpretación de representaciones rupestres que aluden a danzas o expresiones musicales (como la de la Cueva de El Cogul, Lérida).
Funciones
En muchos pueblos se ha podido comprobar que:
La música se encuentra relacionada con acontecimientos importantes para la colectividad (inauguraciones de campamentos, ritos de paso, reuniones, funerales).
Se utiliza para transmitir valores y conocimientos, dando cohesión al grupo.
Acompaña ceremonias donde, a través de la magia y la religión, se intenta invocar a poderes superiores que les ayuden a entender lo que sucede a su alrededor (enfermedades, sequía, malas cosechas, epidemias).
Características de la música
Elementos comunes a manifestaciones musicales primitivas son la frecuente improvisación, el uso de polirritmias o el que la música esté en constante evolución.
Respecto a los instrumentos musicales: son artesanales y usados con fines mágicos. Entre ellos, se pueden encontrar desde piedras para ser golpeadas hasta huesos que sonarían como flautas.
Música en la Edad Antigua: Grecia
Durante este periodo (finales IV milenio a.C. – caída del Imperio Romano) aparecen culturas importantes como son las de Egipto, Mesopotamia, Israel, Grecia y Roma, siendo estas dos últimas esenciales en la formación de la música medieval.
La música en la Antigua Grecia tiene un importante papel tanto en la educación, como en la cultura y desarrollo de la sociedad. Presente en todo tipo de celebraciones, se le otorga un origen divino, al relacionar con los dioses la creación de los instrumentos musicales y la inspiración para los artistas.
La música y los músicos ocupan una posición muy importante en la vida social griega:
La música es esencial en la educación de los ciudadanos, hasta tal punto que se considera que puede llevar el alma hacia la perfección (Apolo-cuerda), o puede inquietar, alterar y excitar el estado de ánimo (Dionisos-viento). En algunas ciudades la práctica del canto coral y la ejecución instrumentos constituían un deber ineludible entre la juventud, un distintivo de nobleza (se prohibía su práctica a los esclavos).
Forma parte integrante del ceremonial religioso: en torno al culto de los ya mencionados Apolo y Dionisos se organizarán verdaderos festivales de música y danza.
Los griegos usaban la música con fines terapéuticos, para modificar el estado de ánimo e incluso la salud del oyente. Precursora de la actual Musicoterapia.
A pesar de tener numerosas referencias literarias de la época sobre notas, escalas, efectos e instrumentos utilizados, y de que la mayoría de la poesía lírica (750 a 350 a.C.) se componía como música cantada, es muy difícil hacerse una idea del sentido y sonido de la música en Grecia.
Lo que sí se ha podido deducir del estudio de unos 60 fragmentos de música en papiro o en piedra, es que la música estaba íntimamente ligada a la poesía y a la palabra, como una consecución de sílabas largas y cortas.
La música griega era monofónica y en ella se repetía constantemente una misma estrofa, dando más importancia al ritmo que a la melodía.
La práctica musical se basaba en la memoria y en la improvisación. El sistema de escritura musical está poco desarrollado y es de tipo alfabético: las alturas musicales se representan mediante las letras del alfabeto. Signos adicionales pueden indicar duraciones y acentos. Existen muchas dudas a propósito de cómo interpretar esta grafía, no sabemos con seguridad cómo debía de sonar. Se conservan unos 40 fragmentos escritos con este tipo de notación.
Los instrumentos más utilizados son: la flauta doble (aulos), lira, siringa y cítara. Cada uno de ellos tiene una leyenda que acompaña a su creación.
Es apasionante todo lo que rodea a la invención y evolución de los instrumentos musicales, objetos que están íntimamente ligados a la vida del hombre. De ellos hablaremos desde otro punto de vista con la lectura del libro El Violín del Diablo, de Joseph Gelinek, en cuya presentación se encuentran enlazados recursos muy interesantes. ¡Échale un vistazo!
Los instrumentos musicales son aquellos objetos que se utilizan para producir sonidos musicales. La clasificación más frecuente se basa en el elemento material que al vibrar produce el sonido (cuerdas, membranas, aire, etc.).
Según este criterio, se clasifican en cinco grupos:
Cordófonos: instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de una o varias cuerdas tensas. Ejemplos: piano, la guitarra, el violín, etc.
Aerófonos: instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de uno varios tubos sonoros. Ejemplos: flauta, la trompeta, órgano.
Membranófonos: instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de una o varias membranas tensas. Ejemplos: bombo, caja, tambor, etc.
Idiófonos: (el griego: ΐδιος-, propio, y -φωνή, sonido) Instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de su propio cuerpo. Ejemplos: triángulo, castañuelas, claves, etc.
Electrófonos: instrumentos musicales en los que el sonido es producido y/o amplificado por medios electrónicos. Ejemplo: sintetizador, theremin.
Cordófonos
Cuerda frotada
Instrumentos musicales que se caracterizan por constar de un pequeño número de cuerdas, pudiendo cada una de ellas emitir varias notas musicales. Si pensamos en una orquesta sinfónica, esta categoría se compone de cuatro instrumentos, que suenan cuando frotamos las cuerdas con el ARCO. Estamos hablando de: violín, viola, violonchelo, contrabajo. Además, veremos el popular rabel.
Algunas características comunes son:
Todos los instrumentos de esta familia están construidos por un conjunto de piezas de madera (hasta 70 en el violín).
En un principio las cuerdas se hacían con intestinos de gato. En la actualidad, con material sintético. Las cuerdas más graves están entorchadas, es decir, rodeadas de un hilo metálico. La cuerda más aguda del violín (cuerda prima) está hecha de hilo metálico sencillo.
El arco está formado por una vara y cientos de crines, que hay que untar de una sustancia resinosa para aumentar la capacidad de fricción.
Para obtener distintas notas musicales, el intérprete presiona la cuerda de la que quiere obtener sonido contra el diapasón del instrumento. De esta manera consigue modificar la longitud de la cuerda que vibra y con ello la altura del sonido emitido.
Violín
Instrumento de cuerda frotada que consta de 4 cuerdas, mide 59 cm y es el más pequeño dentro de su familia, en la Orquesta Sinfónica.
Familias relevantes de constructores de instrumentos musicales de cuerda (luthiers) fueron: Amati, Guarnieri y Stradivari. Todos ellos vivieron en Italia durante los siglos XVI y XVII.
Antonio Stradivarius ha pasado a la historia por construir unos violines cuya sonoridad no se ha logrado repetir. Aún no se sabe si su sonido tan singular se debe a las características de la madera que empleó, en condiciones de temperatura y humedad muy específicas, al barniz… Actualmente, estos instrumentos son tan valiosos que suelen estar en manos de fundaciones, que los ceden a músicos extraordinarios, para que realicen con ellos sus conciertos.
Si tienes curiosidad, no solo por saber cómo suena el violín, sino por conocer cómo se escribe la música que interpreta, te animo a escuchar esta interpretación de David Garret.
Además de estos vídeos, veremos y escucharemos a un extraordinario violinista, capaz de hacer que su violín exprese cualquier sentimiento humano: Ara Malikian.
Viola
Instrumento musical de cuerda frotada más grande que el violín (unos 65 cm), por lo que suena en un registro más grave.
Violonchelo
Instrumento de cuerda frotada de una longitud de 130 cm. Sus cuerdas se afinan como la viola, pero una octava más grave. Tiene una sonoridad poderosa y cálida que recuerda a la voz humana. El instrumentista, habitualmente toca sentado con el cuerpo del instrumento descansando sobre la pica metálica.
Contrabajo
El más grande de su familia, mide 190 cm desde la voluta hasta la pica. Se puede tocar de pie o sentado en una silla alta. Cuando se pulsan las cuerdas de este instrumento, producen un sonido profundo y resonante. Técnica de interpretación muy utilizada en el Jazz.
Rabel
Instrumento de cuerda frotada, similar al violín, con un número variable de cuerdas, encuentra su origen en Asia, alrededor del siglo X.
En España, aparece el rabel en ilustraciones, grabados y escritos a partir de la Edad Media (siglos XII- XIII), siendo uno de los principales documentos Las Cantigas de Alfonso X El Sabio.
Aunque todos los rabeles tienen características comunes, al ser instrumentos de factura popular, se construyen con materiales y formas muy diferentes, de acuerdo al entorno de cada cultura que les da origen. El sonido de este instrumento es profundo, lleno de matices y colores.
El Rey David y los Músicos. Catedral de Jaca
Los Ancianos del Apocalipsis. Sto. Domingo. Soria
El rabel en Cantabria
Zanfonia
Fascinante instrumento de cuerda frotada con rueda, con un número variable de cuerdas vibrantes, otras que suenan «por simpatía», manivela… con un sonido poderoso y único.
En sus orígenes se relaciona alrededor del siglo X con elOrganistrum y, posteriormente, con la viola medieval, a la que se le habría añadido un teclado y una rueda.
Cuerda pulsada
Guitarra
Instrumento musical que produce sonido mediante la vibración de cuerdas, puestas en movimiento gracias a la acción de los dedos o la púa. Consta de seis cuerdas, fabricadas en nylon, algunas de ellas entorchadas con metal. Partes principales:
Clavijero: las clavijas permiten modificar la tensión y afinar las cuerdas.
Mástil: dividido por los trastes en 19 espacios (semitonos). Gracias a ello, el músico puede localizar fácilmente las diferentes notas musicales.
Cuerpo o caja: la tapa armónica es fundamental para transmitir, a través del puente, las vibraciones de las cuerdas al interior de la caja de resonancia.
La guitarra más común es la clásica, existiendo además de otros tipos: flamenca (otro tipo de madera), acústica (cuerdas metálicas, más ancha), eléctrica (no tiene caja de resonancia), etc.
Otros instrumentos de cuerda pulsada son: laúd, mandolina, banjo, bandurria, balalaika etc.
Arpa
Instrumento de cuerda pulsada con los dedos, que carece de mástil y cuenta con un gran número de cuerdas. Cada una de ellas produce una sola nota musical (o varias, en el caso del arpa moderna).
El arpa reposa sobre el hombro derecho del arpista, sentado y con las manos a ambos lados de las cuerdas, para pulsarlas o apagar su sonido.
El arpa consta de varias partes:
El cuerpo: compuesto de una caja de resonancia y una tabla armónica sobre la que se extienden las cuerdas. Posee entre 45 y 48 cuerdas, antes fabricadas de intestinos de animales. Las más graves están entorchadas con hilo de acero. Algunas están coloreadas de rojo o azul para facilitar la localización de ciertas notas.
La columna: permite que el arpa soporte la tensión de las cuerdas (unos 2000 kilos). En su interior se encuentran unas espigas de acero cuya función es controlar el mecanismo del arpa.
La consola o curva armónica: con las clavijas de afinación de las cuerdas.
Los pedales: tiene siete pedales (uno por cada grado de la escala). Los pedales pueden modificar la altura de las notas en uno o dos semitonos ya que cada pedal puede adoptar dos posiciones distintas.
Además del arpa que vemos en una Orquesta Sinfónica, es muy común en determinada música popular, ver el arpa celta.
Clave, espineta y virginal
El clave, clavecín o clavicembalo es un instrumento de cuerda pulsada con teclado, con forma de pequeño piano de cola. En algunos se pueden colocar dos teclados, cada uno de ellos asociado a un juego particular de cuerdas, con el objetivo de conseguir distintos matices dinámicos y tímbricos. Fue un instrumento muy importante durante el periodo barroco (1600-1750).
Muy parecido al clavecín son la espineta y el virginal, casi portátiles por su tamaño, donde a cada sonido de una tecla le corresponde una cuerda. En todos ellos, la disposición de las cuerdas respecto al teclado es diferente.
Cuerda percutida
Piano
Instrumento de cuerda percutida, con teclado. Se pueden ver dos tipos de piano: verticales (para espacios pequeños, muy utilizados para el estudio) y el piano de cola (cuerdas colocadas horizontalmente).
El piano consta de varias partes:
Teclado: el piano de cola tiene 88 teclas; el piano vertical 85. Las teclas blancas representan los sonidos naturales. Las teclas negras representan los sonidos alterados.
Mecanismo: al pulsar una tecla se pone en marcha un mecanismo que produce dos efectos: por un lado, un macillo forrado de fieltro golpea la cuerda y vuelve a su posición original para dejar que la cuerda vibre libremente mientras la tecla está pulsada. Por otro lado, levanta un elemento llamado silenciador que está en contacto con la cuerda cuando su correspondiente tecla no ha sido pulsada. Cuando la tecla deja de estar pulsada, el silenciador cae sobre su cuerda y extingue su vibración.
Las cuerdas: su longitud varía entre 10 cm y 2 m para los pianos de concierto. Son más gruesas y largas en el registro grave. Las cuerdas están sujetas a un cuadro bastidor metálico por unas clavijas de acero que permiten regular su tensión y, con ello, su afinación. Como curiosidad podemos decir que dicho bastidor soporta tensiones de entre 15 y 20 toneladas. Hay muchas más cuerdas que teclas, ya que en el registro agudo el martillo hace sonar tres cuerdas a la vez; en el medio, dos y en el grave, solo una.
Teclado: el piano de cola tiene 88 teclas; el piano vertical 85. La extensión total es de unas siete octavas y media. Las teclas blancas representan los sonidos naturales. Las teclas negras representan los sonidos alterados.
Tabla armónica: considerada como un elemento esencial, transmite las vibraciones a la caja de resonancia. De su calidad, depende la del instrumento.
Pedales: puede tener dos o tres. El de la izquierda hace que el teclado se desplace, por lo que los martillos golpean una cuerda menos en los registros medio y agudo. El de la derecha levanta los silenciadores, por lo que las sonoridades se acumulan. El del centro en los pianos verticales tiene la función de sordina, dejando caer sobre todas las teclas un paño que apaga el sonido.
Por último, antepasados del piano son: el címbalo, en el que el intérprete golpea las cuerdas con dos varillas. Y el clavicordio, que tiene un mecanismo de teclado que golpea las cuerdas al pulsar las teclas. Este instrumento apenas tiene potencia y no permite hacer grandes matices durante la interpretación.
Aerófonos
Si el mundo de los cordófonos nos parecía fascinante, el de los aerófonos no se queda atrás, ya que ambos son el resultado de satisfacer las necesidades artísticas del hombre a lo largo del tiempo, en contextos culturales muy diferentes, siendo la tecnología musical esencial para entender lo que ahora conocemos de ellos.
Los aerófonos son los instrumentos musicales que producen sonido mediante la vibración de uno o varios tubos sonoros. Su clasificación atiende al tipo de embocadura que hace vibrar la columna de aire de ese tubo sonoro:
Embocadura de bisel
Embocadura de lengüeta doble
Embocadura de boquilla
Bisel
El bisel es un borde rígido contra el que se hace chocar el aire para producir el sonido. Cuando el músico sopla y dirige el aire contra el bisel, parte del aire sale al exterior y parte se introduce en el instrumento vibrando en el tubo sonoro. A lo largo del tubo hay varios agujeros, que al tapar (bien directamente con los dedos o indirectamente a través de diversos tipos de llaves) modifican la longitud del tubo sonoro, produciendo diferentes notas musicales.
Instrumentos de bisel: flauta dulce, flauta travesera, flauta de pan, quena o siringa, ocarina, silbatos.
Todas las flautas, aun construidas con metal, se consideran instrumentos de viento madera pues esta clasificación no se hace por el material de construcción, sino por el color del sonido que producen.
En la vida diaria creáis flautas con bisel cuando: endurecéis los labios para silbar (o colocáis los dedos en la boca); entra el aire silbando por una rendija de la ventana (esta haría de bisel); sopláis en el borde de un botellín de refresco; utilizáis la caperuza del bolígrafo Bic como silbato; limáis el hueso del albaricoque hasta dejar un hueco que hace de bisel, etc.
Lengüeta
La lengüeta es una pieza muy fina y móvil, de caña o metal, situada en la embocadura del instrumento. Al soplar el músico, la lengüeta se mueve ligeramente, golpeando el aire y haciendo que este entre en vibración dentro del tubo sonoro.
En la vida diariacreáis lengüetas cuando: cogemos un trocito de plástico o una hierba del campo, las estiramos bien y las hacemos batir mientras soplamos; cortamos la embocadura de una pajita para sorber, creando dos lengüetas batientes. En este último caso, se obliga al aire a entrar a presión en el tubo, provocando el movimiento de las lengüetas.
Boquilla
La boquilla en los instrumentos de viento permite al músico introducir los labios en ella y batirlos haciendo una especie de «pedorreta». Esto provoca que el aire que entra en el tubo lo haga vibrando. Como hemos visto, para producir sonidos de diferente altura basta con cambiar la longitud del tubo sonoro, mediante un sistema de pistones y válvulas.
Cuanto más corto sea el tubo sonoro, más agudo es el sonido: corneta, trompeta, trompa, trombón, bombardino y tuba (y helicón).
Membranófonos
Los membranófonos son aquellos instrumentos musicales que producen sonido gracias a la vibración de una o varias membranas (o parches). Aunque la mayoría de estos instrumentos producen un sonido indeterminado (pandereta, tambor), hay otros que producen sonidos musicales concretos, como es el caso del timbal.
Existe una enorme variedad de instrumentos dentro de esta clasificación, ya que están muy unidos a la cultura popular. En cada país, región, pueblo es posible encontrar instrumentos de membrana similares, pero con nombres diferentes. Lo importante es que entiendas cómo funcionan y la riqueza que los materiales utilizados aportan a su particular timbre.
Idiófonos
Los idiófonos son los instrumentos musicales que producen sonido por la vibración de su propio cuerpo. Dentro de este grupo distinguimos:
Sonido determinado: aquellos que producen notas musicales concretas. En esta categoría estarían: xilófono, metalófono, marimba, glockenspiel, vibráfono (todos estos tienen placas); campanas tubulares, etc.
Sonido indeterminado: los que producen sonidos cuya altura no se puede afinar. En este grupo hay una enorme cantidad de instrumentos fruto de la imaginación, originales y muy ligados a la cultura y vivencias humanas: claves, sonajas, cencerro, cascabeles, platillos, almirez, pitos, castañuelas, botella de anís, carraca, rascadores, cortina, etc.
Electrófonos
Instrumentos musicales que producen sonido gracias a la acción de la electricidad.
Los electrónicos: son aquellos en los que la señal es producida, amplificada y/o transformada en base a procesos basados exclusivamente en la electricidad. Entre estos se encuentran:
el órgano electrónico: posee una serie de sonidos pregrabados que no pueden manipularse. Tiene uno o dos teclados para las manos y un pedalero, que permite la interpretación de los bajos con los pies.
el sintetizador: es un instrumento más actual que el anterior. Es una especie de laboratorio sonoro ya que permite generar sonidos y transformar todas sus cualidades. De modo bastante fiel, puede imitar desde un instrumento convencional a cualquier sonido o ruido de la naturaleza o de origen mecánico, así como generar sonidos completamente nuevos, nunca oídos hasta la fecha de su creación.
Los electroacústicos: son aquellos en los que la señal sonora es producida mediante procedimientos convencionales y posteriormente transformada en una señal eléctrica. Son por tanto instrumentos tradicionales eléctricamente amplificados. Entre estos destacamos:
La guitarra eléctrica y el bajo eléctrico: son instrumentos de cuerda que producen el sonido mediante el ancestral procedimiento de hacer vibrar unas cuerdas tensadas. No tienen caja de resonancia. En su lugar cuentan con unas pastillas (algo parecido a un micrófono) cuya misión consiste en recoger el débil sonido producido por las cuerdas y transformarlo en una señal eléctrica que es enviada a un amplificador. Éste aumenta la potencia de la señal para después ser convertida otra vez en una señal acústica por los altavoces. La interposición de diversos filtros permite además la modificación de las características del sonido.
